≈ 75 minutes · Sans entracte
Dernière mise à jour: 28 mai 2024
Un mot de la productrice générale, Danse CNA
Chers auditoires,
Nous voici (déjà!) réunis pour le dernier spectacle de la saison 2023-2024 de Danse CNA. Celle-ci s’achevant, je tiens à saluer Cathy Levy en plus de la remercier de nous avoir offert des moments forts et inoubliables. Ce fût un honneur de porter cette saison.
Nous tirons une révérence avec un spectacle unique, une symphonie de mouvement orchestrée par la chorégraphe Rhodnie Désir. Rhodnie a étudié le cœur sous toutes ses coutures pour nous offrir une œuvre qui explore les profondeurs de l’humain à travers le langage universel du mouvement. Chaque pas, chaque geste, chaque expression est une note dans cette symphonie visuelle, une invitation à ressentir et à comprendre les émotions qui nous habitent.
Permettez-moi de souligner l’apport incroyable de l’Orchestre du CNA à cette expérience sensorielle. Le pouvoir de la musique crée un dialogue intemporel avec le mouvement.
Laissez-vous transporter par la puissance de Symphonie de cœurs. Que chaque mouvement, chaque note résonne en vous et éveille une gamme d'émotions et d'inspirations.
C’est un honneur de vous accueillir là où l'art prend vie, où la musique et la danse se fondent en harmonie.
Bon spectacle!
Un mot de la chorégraphe
Je me suis intéressée au cœur.
À cet organe, qui pompe en nous : dans son coffre doré.
À ce trésor que nous transportons, qui nous permet de nous connecter aux autres
Qui nous transporte à son tour.
Comme la nature, il m’a fasciné par son mystère abondant, généreux et sacré;
Puis par ses tempêtes foudroyantes au pouvoir de nous déconnecter subitement de la vie terrestre.
De trajectoire en trajectoire, de conversation en conversation, j’ai tenté de comprendre le système cardiovasculaire et sa puissance d’interconnexion.
Mes apprentissages ont nourri en moi la jeune fille en quête de réponses.
Je cherche encore
Des émotions amoureuses aux épreuves de la vie.
Dans ce rituel et pendant que le monde est déchéance, caressons ce moment duquel nous sommes privilégiés.
Je me suis intéressée à ce grand ensemble de coeurs, sans savoir ce qu’en retour il transformerait en moi.
De la fragilité à la force : je nous souhaite que nos coeurs s’unissent au grand coeur tambour.
Pour la guérison de nos société
Pour la célébration de la vie
Amour
Symphonie de cœurs
Une idée originale de Rhodnie Désir
Une production chorégraphique-documentaire de RD Créations
Un projet développé avec le soutien du Fonds national de création du Centre national des Arts.
Synopsis
Battement chavirant d’humanité dans cette symphonie sociale constamment en construction, l'œuvre propose une tempête de cœurs et de corps, de compositions sonores et d’installations visuelles immersives inspirées de données citoyennes et scientifiques. Ce grand geste composé d’artistes musicien·ne·s et danseur·se·s pose une lumière et transforme la scène en un grand cœur pulsant l’humanité. Tantôt tensions d’un duo danse-musique, décagone de violons conjuguant l’impressionnante physicalité des corps pluriels et des chants en langage inventé s'y trouvant. La somme jaillira telle une ode à la force polyrythmique du cœur.
Description
Symphonie de coeurs (SYDC) est un projet d’envergure qui rallie les arts de la danse et de la musique sur le thème du cœur réalisé pour la première fois en partenariat avec trois orchestres philharmoniques : l’Orchestre Métropolitain (à Montréal), l’Orchestre du Centre National des Arts d’Ottawa (à Ottawa) et Orchestra della Svizzera italiana (à Lugano). L'œuvre est également soutenue par trois producteurs qui assurerent aussi sa diffusion, soit Danse Danse, le Centre National des Arts et LAC Lugano arte e cultura (Suisse). Basée sur la démarche chorégraphique-documentaire de Rhodnie Désir, la recherche a été soutenue par les Fonds de Recherche du Québec et s’est faite au sein de deux institutions médicales : l’Institut de Cardiologie de Montréal et l’Istituto Cardiocentro Ticino de Lugano. La recherche a également été complétée par les témoignages de citoyen·ne·s et jeunes du collège Jean Eudes (Montréal), ainsi que des patient·e·s-partenaires vivant avec des maladies cardiaques.
Symphonie de cœurs déploie cette alliance des arts et des sciences pour adresser la beauté et les failles liées au cœur et au système cardiovasculaire.
SYDC est une idée originale de Rhodnie Désir suite à une rencontre inspirante avec le maestro Yannick Nézet-Séguin en 2021. Depuis 2022 et une recherche documentaire approfondie au sein des deux institutions spécialisées en santé cardiaque et plus d’une quarantaine de personnes interviewées, et plus d’une dizaine de créateur·trice·s reconnu·e·s l’œuvre propose une tempête de corps, de compositions sonores et de projections visuelles immersives inspirées de ces données citoyennes et scientifiques. Ce grand geste composé de musicien·ne·s et interprètes de la danse tentera de transformer la scène en grand chœur s’appuyant tantôt sur les tempêtes et battements du système cardiovasculaire, mais aussi du cœur romantique.
Démarche chorégraphique
Rhodnie Désir a développé un nouveau langage de création avec la chorégraphie-documentaire. Un processus unique qui s’inspire de la rencontre pour arriver à la création chorégraphique. Ces rencontres se font sous forme d’entrevue avec, ce qu’elle nomme, des porteur·se·s de mémoires; des citoyen·ne·s de tout horizon qui partagent leur histoire et leur expérience. Ces témoignages citoyens viennent alors nourrir et inspirer la chorégraphe qui déploie l’accumulation de ses nouveaux apprentissages par le mouvement. Un mouvement qui se fait d'abord rythmiquement, en collaboration avec un·e musicien·ne local·e et qui permet de retranscrire l’essence de ces témoignages et du territoire sous forme de rythme. Issue de ce partage naît alors une première gestuelle. Puis sous forme de chorégraphie, Rhodnie Désir vient cristalliser, à travers le corps, toutes ces rencontres et collaborations. Une nouvelle œuvre voit ainsi le jour. Le geste s’ancre alors dans le territoire dans lequel il a été créé, il devient hommage et mémoire.
Rreprésentations (tournée)
Première mondiale à la salle Wilfrid-Pelletier de la Place des Arts, co-présentée par Danse Danse, les 4, 5, 6 avril 2024 à Montréal.
Centre national des Arts, le 30 mai 2024 à Ottawa.
Lugano Dance Project (Suisse), 15 juin 2024.
Au cœur de la recherche documentaire…
Citations tirées d'entrevues avec spécialistes de la santé cardiaque et patient·e·s-partenaires
« Tout le monde a le droit à
un départ digne de sa
propre existence. » – Tiziano
« Le cœur est le siège
de l'âme. » – Dora
« Je dois me faire l'annonce à
moi-même avant de dire quoi
que ce soit au patient. Je lui
demande d'être patient. » – Laura
« Tu veux retenir le temps, le
temps va trop vite, je n’ai plus
le contrôle, tout va trop vite, il
y a de la fébrilité, tout est
palpable. » – Roxanne
« J'ai fait une dépression du
cœur au lieu de faire une
dépression psychologique. » – Ronald
« Le courage, on le prend
quand on pense à ceux
qui restent. » – Serge
« L'équipe est toujours là et va être là.
Quand on entre en salle d'opération,
on peut compter l'un sur l'autre. Il n'y
a pas de place à l'erreur, c'est un jeu
de Lego. On doit avoir du caractère,
sinon on meurt. » – Julie
« En m'enlevant le cœur, on
m'a arraché tout l'amour
qui venait avec. » – Marc
Artistes
Chorégraphe-documentaliste et directrice artistique de RD Créations, Rhodnie Désir a créé une quinzaine d’œuvres, dont BOW’T TRAIL Rétrospek et son parcours pionnier BOW’T TRAIL qui lui valurent deux Prix de la Danse de Montréal (2020): le Prix Envol et le Grand Prix. En 2021, elle est choisie parmi les “25 to watch” du Dance Magazine de New York et nominée au prestigieux Prix de carrière “The APAP Award of Merit”. En 2022, elle est récipiendaire du Prix «Danseuse de l’année» au Gala Dynastie et elle devient la première Artiste Associée de la célèbre institution Place des arts à Montréal.
Sa signature chorégraphique-documentaire et afro-contemporaine singulière s’ancre dans les langages polyrythmiques. Performeuse et oratrice d’une remarquable puissance, sa parole et ses actions citoyennes internationales s’allient au-delà de la danse, pour rayonner tel qu’à l’UNESCO.
L’Orchestre du Centre national des Arts (CNA) du Canada est reconnu pour la passion et la clarté de son jeu, ses programmes d’apprentissage et de médiation culturelle visionnaires et son soutien indéfectible à la créativité canadienne. Situé à Ottawa, la capitale nationale, il est devenu depuis sa fondation en 1969 l’un des ensembles les plus encensés et les plus dynamiques du pays. Sous la gouverne du directeur musical Alexander Shelley, l’Orchestre du CNA reflète le tissu social et les valeurs du Canada, nouant des liens avec des communautés de tout le pays grâce à sa programmation inclusive, ses récits puissants et ses partenariats innovants.
Alexander Shelley a façonné la vision artistique de l’Orchestre depuis qu’il en a pris les rênes en 2015, poursuivant sur la lancée de son prédécesseur, Pinchas Zukerman, qui a dirigé l’ensemble pendant 16 saisons. Le maestro Shelley jouit par ailleurs d’une belle renommée qui s’étend bien au-delà des murs du CNA, étant également premier chef d’orchestre associé de l’Orchestre philharmonique royal au Royaume-Uni ainsi que directeur artistique et musical d’Artis—Naples et de l’Orchestre philharmonique de Naples aux États-Unis. Au CNA, Alexander Shelley est épaulé dans son rôle de leader par le premier chef invité John Storgårds et par le premier chef des concerts jeunesse Daniel Bartholomew-Poyser. En 2024, l’Orchestre a ouvert un nouveau chapitre avec la nomination d’Henry Kennedy au nouveau poste de chef d’orchestre en résidence.
Au fil des ans, l’Orchestre a noué de nombreux partenariats avec des artistes de renom comme James Ehnes, Angela Hewitt, Renée Fleming, Hilary Hahn, Jeremy Dutcher, Jan Lisiecki, Ray Chen et Yeol Eum Son, assoyant ainsi sa réputation d’incontournable pour les talents du monde entier. L’ensemble se distingue à l’échelle internationale par son approche accessible, inclusive et collaborative, misant sur le langage universel de la musique pour communiquer des émotions profondes et nous faire vivre des expériences communes qui nous rapprochent.
Depuis sa fondation en 1969, l’Orchestre du CNA fait la part belle aux tournées nationales et internationales. Il a joué dans toutes les provinces et tous les territoires du Canada et a reçu de nombreuses invitations pour se produire à l’étranger. Avec ces tournées, l’ensemble braque les projecteurs sur les artistes et les compositeurs et compositrices du Canada, faisant retentir leur musique sur les scènes de l’Amérique du Nord, du Royaume-Uni, de l’Europe et de l’Asie.
Récipiendaire du prestigieux prix André Gagnon de la SPACQ (2015) et décorée d’une mention honorable Elles de la musique de la SOCAN (2023), Jorane s’élève sur une carrière musicale de plus de 20 ans, jalonnée de réalisations ambitieuses moult fois récompensées par l’industrie. Son plus récent album, Hemenetset, lui a valu des nominations aux Junos, à l’Adisq et aux GAMIQ.
Avec une douzaine d’albums à son actif et des tournées l’ayant menée aux quatre coins du globe, Jorane se présente comme une exploratrice sonore et une créatrice d’une rarissime liberté, tantôt aux commandes de ses propres projets, tantôt au service de l’art sous diverses formes. Elle signe les trames sonores de nombreuses oeuvres théâtrales, cinématographiques, télévisuelles et documentaires, notamment pour les pièces le Journal d’Anne Frank (prix Gascon-Roux) et Albertine en cinq temps, de même que pour le film Un dimanche à Kigali, qui lui vaudra un Jutra en 2007.
Parmi ses illustres collaborations, notons son travail avec l’OSQ, l’Orchestre métropolitain, l’ensemble I Musici, Margie Gillis, Michael Brook et Sara Maclachlan. Au cours de sa carrière, Jorane partagera également la scène avec Bobby McFerrin, Daniel Lanois et Anne Sylvestre pour ne nommer qu’eux. Porte-parole du Phare, Enfants et Familles et citoyenne engagée, Jorane s’implique aussi aux côtés de diverses organisations oeuvrant auprès de femmes en situations de vulnérabilité.
Saluée par la CBC comme l’une des 30 meilleures artistes classiques de moins de 30 ans en 2019, la chef d’orchestre Naomi Woo est l’assistante chef d’orchestre de l’Orchestre symphonique de Winnipeg et la toute première directrice musicale de Sistema Winnipeg. Née à Terre-Neuve et élevée à North Vancouver, Naomi dirige des orchestres aux quatre coins du Canada et est reconnue pour son travail d’artiste et de formatrice engagée ainsi que pour ses collaborations avec l’Orchestre du CNA, l’Orchestre symphonique de Kitchener-Waterloo, l’Orchestre symphonique de Regina et l’Orchestre symphonique de Saskatoon. Grande ambassadrice de l’opéra et de la nouvelle musique, Naomi a récemment dirigé la première canadienne de Angel’s Bone (avec le re:Naissance Opera) de la compositrice Du Yun, qui a remporté un prix Pulitzer pour cette œuvre, et la première internationale de The Night Falls de Ellis Ludwig-Leone (avec le BalletCollective et l’American Opera Project). Elle est diplômée de Yale, de l’Université de Montréal et de Cambridge.
Musicien/Beatmaker/Compositeur/Producteur, Engone Endong propose une approche alternative de la musique et de la tradition gabonaise en mélangeant astucieusement les connaissances ancestrales avec des sons contemporains électroniques, hip-hop et expérimentaux. Collaborant internationalement en tant que DJ/producteur avec des artistes tels que Elom 20ce du Togo, Pamela Badjogo/Prix RFI Découverte finaliste, et Société des Arts Technologiques, il a également composé les bandes sonores du film "Les Etats-Unis d'Afrique : au-delà du hip-hop" de Yanick Létourneau (PERIPHERIA, Prix de la Critique RIDM 2011). Il s'est produit aux côtés du légendaire DJ américain Rich Medina et a été la tête d'affiche du festival Piknic Electronik en 2013. Son album politiquement instrumental #OKENG a été salué par la critique d'OKAYAFRICA et d'AFROPUNK. Depuis 2017, il a collaboré avec Rhodnie Désir sur de nombreuses œuvres comme Dusk Society (2017), BOW'T TRAIL Retrospek (2020), BOW’T-Tio’tia:ke (2021), Conversations (2021), MWON'D (2022) et il travaille actuellement sur sa nouvelle pièce Symphonie de coeurs.
Salif Sanou, dit Lasso, est né dans une famille griotte établie dans un village bwaba nommé Konkuy-Boho, dans la province de la kossi au nord-ouest du Burkina Faso. Étant griot de père en fils depuis plusieurs générations, il grandit dans un univers où la musique et la parole sont au cœur de la vie. C’est ainsi qu’il a découvert très tôt ses talents pour plusieurs instruments traditionnels et pour le chant. D’abord initié à la percussion avec le balafon, les doum-doums, le tam-tam à serres, le tamarin, le bara et le djembé, il poursuit sa découverte de talents avec le chamaillé n’goni en 1999. En 2004, Lasso se découvre une passion et une habileté incroyable pour la flûte peule (flûte mandingue ou encore flûte à parler), avec son cousin et maître Dramane Dembélé. Il devient rapidement l’un des flutistes les plus doués et certains de ses amis l’appellent même « Las flûte ». Après avoir joué pendant plusieurs années avec des artistes de renom au Burkina Faso, Lasso arrive au Québec en 2009. Il s’est produit dans plusieurs événements dont l’ouverture des Jeux Olympiques à Nanaimo (Vancouver), le Festival de la Musique de Québec, la soirée bénéfice jeunes musiciens du monde et la Fête nationale du Québec. Il a aussi participé à des animations théâtrales de rue et à des spectacles dans des petites salles, bars et cafés en plus de se produire avec la troupe de théâtre Motus pour la pièce de renommée internationale « Baobab ». Il a par ailleurs accompagné plusieurs artistes dans divers festivals dont le Festival International Nuits d’Afrique, le Festival International de Jazz de Montréal et les Francofolies. Lasso fait aussi parti d’autres projets comme artiste musicien et membre fondateur dont, depuis 2016, ‘’ KUNÉ ‘’ Canada’s Global Orchestra (du conservatoire royal de musique à Toronto). Un groupe de 12 musiciens de différentes nationalités au Canada. Deux albums sont sortis en 2018 et 2023. En tant qu’auteur-compositeur-interprète, il forme en novembre 2009 son propre groupe nommé Lasso & SINI-KAN (la voix de demain). Cette formation est composée d’un métissage de plusieurs instruments traditionnels (balafon, flûte peule, kambélé n’goni, tamani, percussions) et modernes (vibraphone, batterie, guitare, basse). Ensemble, ils créent l’harmonie entre la musique traditionnelle mandingue et plusieurs autres styles musicaux (jazz, blues, rock, reggae), afin de faire naître leur propre genre musical: Fusion Reggae Afro Mandingue Métissé (F.R.A.M.M.). Le groupe s’est produit de nombreuses fois au Balattou (Montréal), aux Bobards (Montréal), à la Ninkasi du faubourg (Québec), au Fou Bar (Québec), à l’Agitée (Québec), au Mouton Noir (Baie-St-Paul), au Nord- Ouest(Trois-Rivières) à l’Université Laval (Québec), aux Journées québécoises de la Solidarité internationale (Victoriaville) ainsi qu’à plusieurs fêtes africaines de villages. Lasso & Sini-Kan a participé à plusieurs festivals parmi lesquels: l’Afrique en Fête (Québec), le festival Journées d’Afrique (Trois-Pistoles), le Festival International Nuits d’Afrique et les fêtes nationales du Canada et du Québec (Ottawa, Québec et Montréal), le festival Mondo Karnaval (Québec), la Semaine Interculturelles de Lévis Lauzon (Québec) La Fête Africaine à Inverness.
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Marilyne Cyr complète sa formation en interprétation à l’École supérieure de ballet du Québec en 2014. Depuis, elle a dansé au sein du Groupe RUBBERBANDance, avec la compagnie de cirque Les 7 doigts de la main, avec Compagnie Marie Chouinard, Ballet Ouest de Montréal, Andrea Pena & Artists, l’Opéra de Québec et Ampleman Danse. Marilyne a travaillé avec plusieurs chorégraphes émergents pour la scène ou la vidéo-danse, tels que Vanesa Garcia, Eva Kolarova, Geneviève Gagné, Kunal Ranchod, Kaitlyn Ramsden, Pauline Gervais, Olivia St-Jacques, Charles-Alexis Desgagnés, Nicholas Bellefleur-Bondu et Vanessa Brazeau. Marilyne travaille actuellement avec les compagnies PPS Danse, Sylvain Émard Danse, Rhodnie Désir Créations et Janie et Marcio. Elle collabore comme interprète avec le chorégraphe Andrew Skeels (Skeels Danse) et l’assiste pour des commissions auprès d’autres compagnies. Ces diverses expériences ont amené Marilyne dans plusieurs villes du Québec, aux Pays-Bas, en Belgique, en France, aux États-Unis, en Serbie et en Lituanie.
Mara Dupas est une artiste franco-canadienne d’origine martiniquaise.
C’est à Montréal qu’elle découvre sa passion pour le mouvement et la création chorégraphique. Après une formation en danse classique, Mara intègre le programme professionnel de l’École de Danse Contemporaine de Montréal (2019-2022). Elle collabore en tant qu’interprète avec Louise Bédard, Marie Béland et Charlie Prince, entre autres, et signe en 2022 sa première création : Dépi Temps.
En parallèle à sa pratique en danse, Mara explore son rapport à l’écriture en publiant plusieurs textes. Son travail explore les thèmes du métissage, de la culture antillaise et de l’absurdité.
Camille Gendron est un·e artiste en danse contemporaine basé·e à Tiohtià:ke/Mooniyang/Montréal. Titulaire d’un baccalauréat en danse, iel retire de son passage à l’Université du Québec à Montréal une riche expérience interprétative et créatrice en travaillant notamment avec Caroline Laurin-Beaucage, Alan Lake, Danièle Desnoyers, Anne Thériault, James Viveiros, Kelly Keenan et Melina Pires.
Émerveillé·e par la capacité perceptive du corps humain, Camille s'amuse à explorer les sensations corporelles pour en faire un terrain de jeu fertile à une redéfinition du rapport à soi, aux autres et au territoire. Iel alimente ainsi un mouvement fluide empreint de densité, animé·e par la recherche de portes d’entrée vers le dépassement de soi et l’interrelation à l’environnement.
Ayant débuté un parcours en histoire, anthropologie et études autochtones avant de se tourner vers le mouvement, Camille nourrit aujourd’hui sa pratique de réflexions socio-politiques ainsi que d’un désir de connexions humaines franches et revendicatrices. Ces valeurs s’incarnent d’ailleurs dans sa pratique chorégraphique, à travers laquelle les co-créations multidisciplinaires [re]prendre Terre (2021) ainsi qu’Aux effluves de fluides et de cierges (2022) ont vu le jour.
Aly Keita commence son parcours artistique à l'âge de 13 ans, en Guinée. Il étudie les arts du cirque, la danse et la musique au Centre d'art acrobatique Keita Fodeba. En 2016, il arrive au Canada dans le cadre d'une initiative d'échange culturel entre jeunes Inuits et Guinéens, qui débouche sur la production du documentaire "Cirque sans frontières". Depuis, il collabore avec divers organismes, notamment les Productions Kalabanté, le Cirque Eloize, Cavalia, Zab Maboungou/Compagnie Danse Nyata Nyata, MAPP_Montréal, Collectif White Wash, Jobel Art for Earth, Fondation de la Place des Arts et plus encore. À partir de 2020, il crée et présente sa propre production, "Djata : Conversations du Manden". Il a également participé à "Afro Canada", un documentaire en quatre parties sur 400 ans d'histoire des afro-descendants, diffusé par Radio-Canada. Il possède une vaste expérience de l'enseignement et de la médiation culturelle.
En parallèle de ces études à l’école de danse contemporaine de Montréal Luce commence la pratique du mouvement authentique avec Sarah Dell!Ava, qui lui permet de développer encore davantage l’écoute de son corps et la rencontre avec celui des autres. Plusieurs spectacles découlerons de cette rencontre avec Sarah; O présenté au Festival Trans Amérique 2020 et O2 présenté à Tangente 2022.
Luce fait partie des interprètes de l’édition FLY 2021 avec comme chorégraphe invité Katia Marie Germain. D’ici naît le pièce Mascarades qui est en évolution pour fin 2023.
Début 2022, Luce rencontre Aurélie Pédron avec qui elle travaille sur des projets de; création Invisible présenté au OFFTA 2022; de recherche Faire Corps et de pédagogie Poésie.
La pédagogie, le partage et la transmission sont pour Luce des piliers important pour aller à la rencontre de l’autre et construire le monde de demain. L’automne 2022 elle commence un apprentissage au près Andrew Harwood qu’elle assiste à l’École de danse Contemporaine de Montréal.
Sensible la transversalité des arts Luce prends des cours de théâtre et de peinture.
En 2023, elle début une nouvelle création Symphonie de coeurs, chorégraphie par Rhodnie Désir.
Luce travaille en tant qu’interprète pour d’autres chorégraphes émergents tel que Rachelle Bourget (Meridian Response), Philipe Dépelteau dans (Les briques), Marie Lévêque dans (25 kilomètres), Julianne Decerf (Can you feel the burn?).
Titulaire d’un baccalauréat en danse, Emmanuelle Martin a étudié en France, aux États-Unis et au Canada. Affichant une prédilection pour la danse contemporaine et urbaine, elle impressionne par sa polyvalence, ses talents d’improvisatrice et sa forte présence sur scène. Depuis plus de dix ans, elle enchaîne les collaborations avec des artistes et compagnies du monde entier, notamment Van Grimde Corps Secret, Trip the Light Fantastic, Bouge de là, Audrey Gaussiran, Barbara Diabo, Jobel Art, Early Morning Opera et Sinha Danse.
Fondatrice de la compagnie Nouena Danse en 2019, Emmanuelle Martin signe également plusieurs spectacles dont Angel, Encounter – présenté aux festivals ZemmourBallet et Quartiers Danses – Chimion et Anges Lumières.
Né.e à Tio’tia :ke (Montréal), Mya Thérésa Métellus développe très jeune sa passion pour la danse et se lance dans la pratique du ballet classique. Douze ans plus tard, iel se tourne vers la danse contemporaine pour son côté libérateur et inclusif, et entrevoit une possibilité de carrière. Mya découvre parallèlement une multitude de styles comme le lyrique, la claquette, la comédie musicale, le hip hop et les danses folkloriques haïtiennes. Ceux-ci lui permettent d’accéder aux différentes facettes de sa danse et d’explorer son héritage haïtien. Après deux ans au baccalauréat en danse à l’UQAM, Mya intègre l’École de danse contemporaine de Montréal où les processus créatifs – avec Stacey Désilier, Sébastien Provencher, Hélène Remoué, Edgar Zendejas, Stefania Skoryna, Parts+Labour_Danse et Alanna Kraaijeveld – ainsi que le remontage de répertoires – avec la Compagnie Marie Chouinard, Jacques Poulin-Denis et Stephanie Lake – sont riches. Mya tente de transporter sa voix de leader assumé.e et sa singularité artistique à travers toutes ses rencontres, ainsi que de plonger dans ses origines.
Carlos-Alexis Mendoza est un danseur pluridisciplinaire passionné et spécialisé en danse électro depuis son enfance. Né à Montréal de parents péruviens, il a voyagé en France, en Espagne et partout en Amérique du Sud pour des compétitions et pour échanger avec d’autres spécialistes de la danse électro. Son expertise dans ce style et sa soif d’approfondir ses connaissances en danse l’ont amené à poursuivre ses études à l’École de danse contemporaine de Montréal. Ainsi, il collabore aux créations de José Navas, Lucie Grégoire, Alan Lake, ainsi qu’à la reprise de la pièce de répertoire Les corps avalés de Virginie Brunelle, avant d’être diplômé en 2022. Parallèlement, en 2019, Carlos-Alexis crée Cypher Electro afin de partager son savoir et sa vision de ce style de danse. Aujourd’hui, il collabore avec des chorégraphes comme Rhodnie Désir (RD Créations), Hélène Langevin (Bouge De Là) et Alexandre Morin (Other Animals) dont il s'inspire pour approfondir sa recherche chorégraphique et l’esthétique de cette dernière en y incorporant tout ce qui l’inspire: son identité, ses origines et sa vision du monde contemporain.
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Originaire de La Havane, Cuba et maintenant établi à Montréal, Ernesto Quesada Perez (Tiko) s’initie à la danse à l’âge 9 ans dans son pays natal. Il débute dans une jeune troupe de danse, où il apprend les styles populaires et traditionnels cubains. Avec cette troupe, Ernesto performe dans plusieurs théâtres locaux, maisons de la culture et émissions de télévision, ainsi acquérant ses premières expériences scéniques.
À son arrivée au Canada, il poursuit ses études secondaires en option Danse, où il fait ses premières incursions dans la danse contemporaine, hip hop et autres danses de variétés. Parallèlement, il devient membre de la troupe de l’Académie de danse Titosalsabor. Pendant ce temps, Ernesto approfondi ses connaissances sur les danses cubaines. De plus, il établit une première connexion avec les danses traditionnelles Afro-Cubaines.
Ernesto décide de poursuivre sa passion en s’inscrivant dans le programme du DEC en Danse contemporaine du Collège Montmorency (2015-2018). Ensuite, il continue sa formation professionnelle à l’École de danse contemporaine de Montréal (EDCM) (2018- 2021). Tiko éprouve une énorme ouverture pour la danse et en 2017, sa curiosité artistique l’amène à participer à l’expérience du Programme. Il s’agit d’une formation intensive qui permet d’intégrer la danse urbaine dans un milieu de danse professionnel. C’est à ce moment qu’il découvre sa passion pour la culture de la streetdance. Après avoir vécu le côté commercial, Ernesto explore le Hip Hop avec une approche plus basée sur le mouvement libre (Freestyle). En passant par une connaissance profonde de son corps, il cherche à amalgamer les danses des rues, la danse contemporaine et son héritage cubain dans le but de trouver une manière de bouger authentique.
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La singularité qui défini la gestuelle de Gregory Krypto Selinger ainsi que son style éclectique font de lui un incontournable de la scène breakdance Montréalaise. Son travail se caractérise par l’exploration incessante des potentiels inexploités du vocabulaire gestuel du style breakdance. Ayant été inspiré par les pionniers du breakdance contemporain, en 2009 Gregory est devenu interprète pour la compagnie Solid State Breakdance Collective et à chorégraphié le trio Still Milking the New Sacred Cow sous le mentorat de Victor Quijada. Son solo autobiographique A Piece of: My Heart (Breaking) à été présenté à Montréal, à Québec, en Ontario, en Allemagne et au Mexique. Il a dirigé un solo mettant en scène la légende du breakdance Jacob Kujo Lyons (Creative Extremist au Théâtre MAI) et il a dansé dans 3 courtes solos auto-chorégraphié à Tangente. Présentement, il travaille comme interprète pour Rhodnie Désir pour les pièces MWON’D et Symphonie des Cœurs et Geneviève Duong pour The Northwest Passages. Il collabore aussi sur la création de The Mars Project, une comédie musicale de science-fiction dirigée par Travis Knights.
Après avoir pratiqué le soccer et étudié la guitare aux Pays Bas, Abe Simon Mijnheer émigre à
Montréal en 2012. Il s'y découvre une passion pour la danse contemporaine, qui le mène à
étudier à l'Université Concordia, puis, en 2016, à l’École de danse contemporaine de Montréal.
Il a terminé le programme de formation de 3 ans, au cours duquel il a interprété des oeuvres de
Marie Chouinard, Alan Lake, Virginie Brunelle, Catherine Tardif, Ginette Laurin, Manuel
Roque, pour ne nommer que celles-ci. Il a amorcé son parcours professionnel en tant
qu'interprète dans le travail de Sébastien Provencher, Teoma Naccarato, Aurélie Pédron, Lina
Cruz, Frédérick Gravel, Le Carré des Lombes, Maribé sors de ce corps et Alan Lake
Factori(e). Abe aime tout autant intégrer l'entrainement en danse à d'autres pratiques: le yoga,
le soccer et la course à pied, que le chant et la musique.
Crédits
Orchestre du CNA
Premiers violons
**Yosuke Kawasaki (violon solo)
Jessica Linnebach (violon solo associée)
Noémi Racine Gaudreault (assistante violon solo)
Marjolaine Lambert
Emily Kruspe
Manuela Milani
Emily Westell
*Martine Dubé
*Erica Miller
*Oleg Chelpanov
Seconds violons
Carissa Klopoushak
Jeremy Mastrangelo
Frédéric Moisan
Leah Roseman
Winston Webber
Edvard Skerjanc
Zhengdong Liang
Mark Friedman
Karoly Sziladi
Altos
Jethro Marks (solo)
David Marks (solo associé)
David Goldblatt (assistant solo)
David Thies-Thompson
Tovin Allers
Paul Casey
Violoncelles
**Rachel Mercer (solo)
Julia MacLaine (assistante solo)
Leah Wyber
Marc-André Riberdy
Timothy McCoy
*Karen Kang
*Sonya Matoussova
Contrebasses
Max Cardilli (assistant solo)
Vincent Gendron
Marjolaine Fournier
*Paul Mach
Flûtes
Joanna G'froerer (solo)
Stephanie Morin
Hautbois
Charles Hamann (solo)
Anna Petersen
Cor Anglais
Anna Petersen
Clarinettes
Kimball Sykes (solo)
Sean Rice
Bassons
Darren Hicks (solo)
Vincent Parizeau
Cors
Julie Fauteux (solo associée)
Lawrence Vine
Louis-Pierre Bergeron
**Lauren Anker
*Olivier Brisson
Trompettes
Karen Donnelly (solo)
Steven van Gulik
Trombones
*Steve Dyer (solo invité)
Colin Traquair
Trombone basse
Zachary Bond
Tuba
Chris Lee (solo)
Timbales
*Marc-André Lalonde (solo invité)
Percussion
Jonathan Wade
*Alexandre Lavoie
*Corinne René
Harpe
*Angela Schwarzkopf (solo invitée)
*Musiciens surnuméraires
Musicothécaire principale
Nancy Elbeck
Musicothécaire adjoint
Corey Rempel
Cheffe du personnel
Meiko Lydall
Coordinatrice du personnel de l’Orchestre
Laurie Shannon
**En congé
Équipe artistique (concepteur⋅rice⋅s)
Cheffe de la création (chorégraphe, documentaliste, directrice artistique, compositrice vocale)
Rhodnie Désir
Cheffe d’orchestre
Naomi Woo
Compositrice musicale
Jorane
Orchestrateur
François Vallières
Beatmaker et concepteur sonore
Engone Endong
Conceptrice costumes
Mélanie Ferrero
Scénographe
Olivier Landreville
Conceptrice d’éclairages
Chantal Labonté
Conceptrice vidéo et numérique
Chélanie Beaudin-Quintin
Accompagnatrice à la création
Isabelle Poirier
Interprètes de la danse
Marilyne Cyr, Mara Dupas, Camille Gendron, Aly Keita, Luce Lainé, Emmanuelle Martin, Carlos-Alexis Mendoza-Bustinza, Ernesto Queseda Perez, Greg «Krypto» Selinger, Abe Simon Mijnheer
Musicien⋅ne⋅s
L'Orchestre du Centre national des Arts et House Band de RD Créations avec Engone Endong et Lasso Sanou
Arrangement de percussions
Rhodnie Désir et Jahsun
Consultant artistique
Philip Szporer
Recherchiste
Pascale Bilodeau (ONF)
Équipe de production
Producteur principal
RD Créations
Producteur associé
Frédérick Lalonde - JKFL Production
Directrice de production
Cécile Doo-Kingue - RD Créations
Directeur technique
Bruno Lauzon
Régisseuses
Julie Abran et Angie Pelletier
Responsable des communications
Caroline Rousseau-Merveillie - RD Créations
Agence en représentation
Avec Sheila (Sheila Skaiem)
Partenaires
Producteur principal
RD Créations
Co-producteurs et diffuseurs
Danse Danse, Centre national des Arts, LAC Lugano arte e cultura
Partenaires majeurs
Fonds national de création du Centre National des Arts, Conseil des Arts du Canada
Partenaire principal
Fonds de Recherche du Québec
Partenaires à la création
Institut de Cardiologie de Montréal (ICM), Istituto Cardiocentro Ticino, Office National du Film (ONF), Place des arts, Conseil des Arts et des Lettres du Québec, Conseil des Arts de Montréal
Collaborateur artistique
Orchestre Métropolitain
Musique
Symphonie de cœurs
Œuvre composée pour la production chorégraphique Symphonie de cœurs de Rhodnie Désir
Composition : Jorane, Engone Endong, R.Désir, A.Keita
Arr. percussions : R.Désir, Jahsun
Orchestration : F.Vallières
© 2024 Tous droits réservés
Chants
1. Neïa’yanga / composition vocale : R.Désir, interprétations : R.Désir et A.Keita, arrangement vocal : C.Doo-Kingué / 2023
2. Fwô / composition vocale : R.Désir, interprétations : R.Désir et A.Keita, arrangements : Engone Endong / 2023
3. Bognè / composition vocale: A.Keita, interprétations : A.Keita et R.Désir, arrangements: Engone Endong / 2023
4. Nanayeom / composition vocale: R.Desir, interprétation : R.Désir, arrangement vocal : C.Doo-Kingué / 2024
Remerciements
Merci à Cathy Levy pour sa grande confiance et de nous avoir ouvert les portes du CNA une seconde fois, et à Caroline Ohrt d'avoir repris le flambeau si généreusement. Et merci à Sarah Conn, du Fonds National de Création, pour son précieux soutien.
RD Créations remercie tous les spécialistes en santé cardiaque, les patient.es-partenaires de l’Institut de Cardiologie de Montréal et de l’Istituto Cardiocentro Ticino de Lugano, les jeunes du Collège Jean-Eudes, ainsi que toutes les personnes ayant accepté.es de témoigner lors de la recherche documentaire de Symphonie de cœurs débutée en 2022. Vos témoignages puissants sur le cœur et le système cardiovasculaire ont donné vie à l'œuvre.
Équipe de Production, Salle Southam
Chef machiniste
James Reynolds
Chef électricien
Shane Learmonth
Électricien adjoint
Fred Malpass
Chef accessoiriste
Timothy Shannon
Ingénieur en chef du son
Dan Holmes
Ingénieur adjoint du son
Thomas Stubinski
Chef cintrier
Ross Brayne
Services électroniques
Chef
Michael St. Onge
Assistant
Michael Blanchard
Entrepôt
Chef
Kevin Kenny
Projectionniste
Chef
David Milliard
Équipe de Danse CNA
Productrice générale
Caroline Ohrt
Productrice principale
Tina Legari
Directeur technique
Brian Britton
Coordonnatrice des projets spéciaux et adjointe de la productrice générale
Mireille Nicholas
Chargée de compagnies
Sophie Anka
Associée en éducation et artiste-enseignante
Siôned Watkins
Stratège, marketing
Marie-Chantale Labbé-Jacques
Stratège, communication
Alexandra Campeau
Alliance internationale des employés de scène et de théâtre