Écouter les mouvements abolitionnistes et s’en inspirer
Stages of Transformation (« Les étapes de la transformation ») est un projet pluriannuel de recherche, de réflexion, d’exploration créative et de conversation, qui rassemble des artistes de théâtre, des personnes qui œuvrent dans les milieux artistiques et des communautés créatives de toutes les régions de ce pays qu’on appelle le Canada. Il reprend les impératifs des mouvements abolitionnistes et des cadres de justice transformatrice, et étudie leurs applications à notre travail dans le secteur du théâtre.
Nikki Shaffeeullah (she/her) is a director, writer, actor, and facilitator who creates theatre, film, and poetry. Past roles include artistic director of The AMY Project, and editor-in-chief of alt.theatre magazine.
As a facilitator, Nikki supports grassroots groups to navigate collective processes and to uphold equity and accountability in all aspects of their work. An award-winning theatre and film artist, Nikki collaborates with companies and artists from across Canada. She has held residencies with organizations including Canadian Stage, Why Not Theatre, The Theatre Centre, SummerWorks, and others. She has an MFA from the University of Alberta and is a fellow in the Salzburg Global Forum for Cultural Innovators.
Nikki believes art should disrupt the status quo, centre the margins, engage with the ancient, dream of the future, and be for everyone.
Nikki Shaffeeullah est une metteure en scène, autrice, comédienne et animatrice dans les domaines du théâtre, du cinéma et de la poésie. Précédemment, elle a été directrice artistique du AMY Project, et rédactrice en chef de la revue alt.theatre.
À titre d’animatrice, Nikki Shaffeeullah aide les associations à gérer les différents processus collectifs en vigueur et à s’assurer qu’elles respectent les principes d’équité et de responsabilité dans tous les aspects de leurs activités. Artiste de théâtre et de cinéma primée, elle collabore avec des compagnies et des artistes de tout le Canada, en plus d’effectuer des résidences auprès de plusieurs organisations, telles que la Canadian Stage Company, le Why Not Theatre, le Theatre Centre ou SummerWorks. Titulaire d’une maîtrise en beaux-arts de l’Université de l’Alberta, elle participe au Forum mondial de Salzbourg pour les innovateurs dans le domaine culturel.
Nikki Shaffeeullah croit que l’art se doit de secouer le statu quo, de faire la part belle au non-conformisme, de s’intéresser au passé, d’imaginer le futur et d’être universel.
Mpoe Mogale (they/them) reigns from Lebowakgomo, South Africa and splits their time between amiskwaciywâskahikan and moh’kínst’sis, in the colonial state of Canada. They hold a Bachelor of Arts (Hons) in Political Science, and a wealth of expertise in community-based research, facilitation, and arts administration.
Mpoe’s primary artmaking form is dance, with a curiosity in the place of Blackness in spaces that deny it, as explored through several projects including What (Black) Life Requires (produced by Mile Zero Dance and Azimuth Theatre). Mpoe’s current artistic imaginations have centered the brilliant, mundane, and joyous aspects that foreground the lives of Black folks.
Originaire de Lebowakgomo, en Afrique du Sud, Mpoe Mogale partage sa vie entre Amiskwaciywâskahikan et Moh’kínst’sis, territoires coloniaux du Canada. Mpoe Mogale est titulaire d’un baccalauréat ès arts spécialisé en sciences politiques et possède de solides compétences en recherche communautaire, animation et administration des arts.
En plus de nourrir une passion pour la danse, Mpoe Mogale s’intéresse à la place des personnes noires dans les lieux où elles en sont exclues au travers de plusieurs projets comme What (Black) Life Requires (produit par Mile Zero Dance et Azimuth Theatre). Son imagination artistique se porte sur les événements banaux, joyeux et extraordinaires de la vie des personnes noires.
amber williams-king is a Caribbean artist and writer, currently living in Tkaronto. Her illustrative work explores various themes including collectivity, social movements, queer ecologies and the black radical tradition.
Artiste et autrice caraïbéenne, Amber Williams-King vit à Tkaronto. Dans ses illustrations, elle explore différents thèmes, dont la collectivité, les mouvements sociaux, les écologies queer et la tradition radicale noire.
« Quel est le rapport entre les mouvements abolitionnistes et les arts de la scène, dans ce pays qu’on appelle le Canada? Comme beaucoup, je crois que sans le cadre de l’abolition, tous nos efforts engagés dans le secteur du théâtre pour atteindre la justice raciale, la justice de genre, la justice pour les personnes handicapées, la justice pour les personnes transgenres, la justice climatique et toutes les autres formes de justice, seront voués à l’échec. L’abolition offre une optique rigoureuse à travers laquelle examiner ces questions et explorer les voies du changement. Comme le théâtre lui-même, l’abolition concerne la force des relations humaines, de la collaboration, des confrontations fécondes et de l’imagination. »
Nikki Shaffeeullah présente le projet Stages of Transformation, et réfléchit aux mouvements abolitionnistes et à leur signification pour les arts de la scène dans ce pays qu’on appelle le Canada.
Regard sur l’abolition et le théâtre
Mettre en lumière les personnes, les projets et les communautés qui sont déjà engagés dans des idées et des approches abolitionnistes. Dégager des modèles inédits et des possibilités nouvelles, pour le secteur du théâtre et au-delà.
Regard sur la transformation, des courts métrages de Mpoe Mogale et Raven Davis; une entrevue sur les arts et l’incarcération avec Amina Mohamed, Charlene Chapman, April Labine et Laverne Malcolm; et des comptes rendus de Makram Ayache et Marilo Nuñez.
Des enregistrements audio, y compris Transformation Talks (« parlons transformation »), une série d'entretiens audio avec des chefs de file du théâtre et des artistes activistes, notamment Tanisha Taitt, Yvette Nolan, Donna-Michelle St. Bernard, Ravyn Wngz et Raven Davis, sur des sujets tels que la transformation des conflits, la gouvernance organisationnelle et la collaboration.
Dans le cadre de cette discussion, des artistes activistes de partout au pays, dont Cole Alvis, Audrey Dwyer, Kim Senklip Harvey, Taiwo Afolabi, Omari Newton et Makambe K. Simamba, échangent en profondeur sur les liens entre le théâtre et la justice.
Dans ces trois séries d’œuvres visuelles, les conceptrices de théâtre Rachel Forbes, Joanna Yu et Bianca Guimarães de Manuel, et l’illustratrice Amber Williams-King nous font voir à quoi pourrait ressembler un milieu artistique plus libre.
La Creative Cohort (« cohorte créative ») de Stages of Transformation est un groupe d'artistes et d’organisations artistiques qui explorent les façons dont l’abolition et la justice transformatrice peuvent avoir une incidence sur la création théâtrale en matière de processus, de contenu, de forme et de diffusion.
Taiwo Afolabi, PhD., holds the Canada Research Chair in Socially Engaged Theatre; and is the founder and the Director of the Centre for Socially Engaged Theatre (C-SET), and an Assistant Professor at the University of Regina. He is an artist, qualitative researcher, theatre manager, applied theatre practitioner and educator with a decade of experience in a variety of creative and community contexts in over a dozen countries across four continents. He conducts research, creates works, performs, and teaches at the intersection of performance and human ecology. His research interests lie in the areas of applied theatre and policing, social justice, decolonization, art leadership and management, migration, and the ethics of conducting arts-based research. He is a Senior Research Associate at the University of Johannesburg (South Africa) and the founding artistic director of Theatre Emissary International.
Taiwo Afolabi est titulaire d’une chaire de recherche du Canada en théâtre socialement engagé. À la tête du Centre for Socially Engaged Theatre (C-SET), il est professeur adjoint à l’Université de Regina. À la fois artiste, chercheur qualitatif, directeur de théâtre et spécialiste en théâtre appliqué, il enseigne depuis une dizaine d’années dans les divers contextes communautaires et artistiques de nombreux pays du monde. En plus de ses travaux de recherche, il crée des œuvres, se produit sur scène et enseigne, à la croisée de la performance et de l’écologie humaine. Ses domaines de recherche englobent le théâtre appliqué et le maintien de l’ordre, la justice sociale, la décolonisation, la gestion et le leadership artistique, la migration et l’aspect éthique de la recherche axée sur les arts. Associé de recherche principal à l’Université de Johannesburg (en Afrique du Sud), il est le directeur artistique fondateur du Theatre Emissary International.
Cole Alvis (she/her) is a 2 Spirit Michif (Métis) artist based in Tkarón:to with Chippewa, Irish and English ancestors from Turtle Mountain. She is one of the leaders of lemonTree creations, manidoons collective, and AdHoc Assembly, and is on the board of the Dancers Of Damelahamid.
Recently, Cole performed in Louis Riel (Canadian Opera Company / National Arts Centre) and directed the Dora-nominated bug by Yolanda Bonnell (manidoons collective / Luminato), Lilies by Michel Marc Bouchard (lemonTree creations / Why Not Theatre / Buddies in Bad Times Theatre) and, alongside fellow Dora-nominated Michael Greyeyes, co-directed an Indigenous opera double bill called Two Odysseys: Pimooteewin / Gállábártnit (Signal Theatre / National Sami Theatre Beaivváš / Soundstreams).
This spring, Cole co-directs, alongside Samantha Brown, White Girls in Moccasins by Yolanda Bonnell, co-produced by manidoons collective and Buddies In Bad Times Theatre, and a digital presentation of the play Toka by Indrit Kasapi, co-produced by lemonTree creations and Theatre Passe Muraille.
Cole Alvis est une artiste bispirituelle métisse originaire de Turtle Mountain, avec des ascendances anglaises, irlandaises et chippewa. Établie à Tkarón:to, elle codirige la compagnie de théâtre lemonTree creations, le collectif manidoons et l’AdHoc Assembly, en plus de siéger au conseil d’administration de la compagnie Dancers Of Damelahamid.
Récemment, Cole Alvis a joué dans l’opéra Louis Riel (Compagnie d’opéra canadienne/Centre national des Arts) et assuré la mise en scène du spectacle solo de Yolanda Bonnell, bug, cité pour un prix Dora (collectif manidoons/Luminato), et de la pièce Lilies de Michel Marc Bouchard (lemonTree creations/Why Not Theatre/Buddies in Bad Times Theatre). Elle a également mis en scène, aux côtés de Michael Greyeyes, finaliste aux prix Dora, l’opéra autochtone Two Odysseys: Pimooteewin / Gállábártnit (Signal Theatre/National Sami Theatre Beaivváš/Soundstreams).
Ce printemps, Cole Alvis cosignera avec Samantha Brown la mise en scène de la pièce White Girls in Moccasins écrite par Yolanda Bonnell et coproduite par le collectif manidoons et le Buddies In Bad Times Theatre, ainsi que la présentation numérique de la pièce Toka d’Indrit Kasapi, une coproduction de lemonTree creations et du Théâtre Passe Muraille.
Keira Ash (they/she) is a proud Tłı̨chǫ Dene Indigiqueer from Somba K’e, Denendeh (Yellowknife, NT). They currently reside on the land of the lək̓ʷəŋən people (Victoria, BC) and work with W̱SÁNEĆ youth and families as an Indigenous Education Advocate.
With a variety of arts experience, including hosting two radio shows, being part of an Indigiqueer Storytelling showcase, creating a community mosaic, working with Folk on the Rocks (Yellowknife’s music festival), performing burlesque, and volunteering with community events in whatever city they’re located in, Keira thought, why not add playwriting to the mix?
Having cultivated a strong relationship with Gwaandak Theatre, Keira is looking forward to moving to the traditional territory of the Kwanlin Dün First Nation next fall and continuing their work with the National Arts Centre’s Stages of Transformation program there. With a strong belief in intersectionality and decolonization, Keira is excited to bring their experiences of education and arts to the stage.
Tłı̨chǫ Déné indigiqueer, Keira Ash (iel/elle) est originaire de Somba K’e, Denendeh (Yellowknife, T. N. O.) et habite actuellement sur la terre du peuple lək̓ʷəŋən (Victoria, C. B.). Keira œuvre à la défense de l’éducation autochtone auprès des jeunes et des familles W̱SÁNEĆ.
Forte d’une expérience artistique variée, dont l’animation de deux émissions de radio, la participation à un spectacle de contes indigiqueer, la création d’une mosaïque communautaire, une collaboration à Folk on the Rocks (festival de musique de Yellowknife), l’interprétation de burlesque et du bénévolat pour des événements communautaires dans diverses villes, Keira s’est dit : pourquoi ne pas ajouter l’écriture dramaturgique à tout cela?
Ayant cultivé une relation forte avec le Gwaandak Theatre, Keira déménagera avec joie sur le territoire traditionnel de la Première Nation Kwanlin Dün l’automne prochain afin d’y poursuivre le travail amorcé dans le cadre du programme Stages of Transformation du Centre national des Arts. Partisane convaincue de l’intersectionnalité et de la décolonisation, Keira est impatiente de partager ses expériences en éducation et en arts.
Makram is a community-engaged writer, performer, director, producer, and educator living in Edmonton and Toronto. His playwriting explores queer Arab voices, and he often bridges complex, interlocking, political struggles to the very intimate and real experiences of the people impacted by them. Ayache has been nominated for four Elizabeth Sterling Haynes Awards and is the winner of the 2020 Playwrights’ Guild of Canada’s Emerging Playwright Award for his play Harun. He is currently developing his latest play The Hooves Belonged to the Deer and directing rochdale by David Yee at the Citadel Theatre.
Actif dans la communauté, Makram Ayache est un auteur, interprète, metteur en scène, producteur et éducateur qui partage sa vie entre Edmonton et Toronto. Il se sert de l’écriture pour faire entendre les voix arabes queer et faire le lien entre les luttes politiques complexes et imbriquées et leurs incidences bien réelles sur la vie quotidienne des populations. Finaliste à quatre reprises aux prix Elizabeth Sterling Haynes, il remporte en 2020 le prix du dramaturge émergent de la Playwrights Guild of Canada pour sa pièce Harun. En plus de terminer l’écriture de sa nouvelle pièce The Hooves Belonged to the Deer, il met en scène rochdale de David Yee, au Citadel Theatre.
My name is Charlene Chapman. I am an Indigenous woman from British Columbia and my spirit name is Red Bear. I love to bead anything. I have been a member of PASAN for many years, and have attended programs including Confluence Arts Collective’s theatre program, where we co-created the play The Countess and Me. Confluence was my first time doing theatre and it was really fun. Through The Countess and Me we became more than friends, we became one big family. I am now an Outreach Harm Reduction worker.
Je m’appelle Charlene Chapman. Je suis une Autochtone de la Colombie-Britannique. Mon nom spirituel est Red Bear. J’aime tout ce qui touche au perlage. Je suis membre du PASAN depuis de nombreuses années, et j’ai suivi plusieurs programmes, y compris le programme théâtral du Confluence Arts Collective avec l’aide duquel nous avons créé la pièce The Countess and Me. J’ai vécu ma première expérience théâtrale avec The Confluence, et j’ai vraiment beaucoup aimé. La pièce The Countess and Me a renforcé notre amitié et même au-delà, puisque nous formons désormais une grande famille. Je travaille maintenant pour le programme Outreach Harm Reduction.
Raven Davis is an Anishinaabe, 2-Spirit, trans, disabled multidisciplinary artist, and educator whose mother is from Treaty Four, Manitoba. Davis was born and raised in Michi Saagiig Territory (Toronto, Ontario.) Davis resides and works as a professional artist as well as curator fluidly between Michi Saagig Territory and Kjipuktuk, (Halifax, Nova Scotia.) A parent of three sons, Davis works within the mediums of painting, performance, and media. Challenging systemic oppression, Davis fuses narratives of colonization, race, gender, disability, transformative justice, and 2-Spirit/Indigiqueer identity in their work. Davis’ performance practice bravely embodies their lived experience, their relationship to colonial systems, intergenerational histories, lands, lives, and futures.
Artiste multidisciplinaire trans et personne bispirituelle, Raven Davis est originaire du territoire des Michi Saagiig[SN1] (Toronto, Ontario). Sa mère est native du territoire du Traité no 4, au Manitoba. En situation de handicap, Raven Davis partage son travail d’artiste et de commissaire entre le territoire des Michi Saagiig et Kjipuktuk (Halifax, Nouvelle-Écosse). Parent de trois fils, l’artiste et pédagogue anishinaabe aime s’exprimer à travers la peinture, les prestations artistiques et les arts médiatiques. Dans un désir de dénoncer l’oppression systémique, Raven Davis fusionne les récits sur la colonisation, la race, le genre, le handicap, la justice transformatrice et l’identité bispirituelle et indigiqueer dans son travail. Sa pratique artistique convoque son vécu, les témoignages intergénérationnels, sa relation avec les systèmes coloniaux, les territoires, la vie et l’avenir.
Bianca Guimarães de Manuel is in-between Brazil and Canada, an arts administrator, scenographer and costume designer interested in how creation happens between people, things, and the organizing needed to bring work to life.
She follows her curiosity, allowing the art form to take different mediums to better embody her affections. Bianca centers care in her work: designing processes, materials, or frames aligning with her values/ethics of anti-oppressive and anti-racist ways of relating and working with one another.
Native du Brésil, Bianca Guimarães de Manuel est une administratrice d’activités artistiques, une scénographe et une conceptrice de costumes passionnée par le processus de création.
Elle suit sa curiosité et embrasse plusieurs disciplines pour exprimer au mieux ses émotions. Bianca Guimarães de Manuel fait preuve d’un grand sens éthique dans son travail, aussi bien dans les processus de conception que dans le choix des matériaux. Elle souhaite travailler de manière bienveillante, antiraciste et anti-oppressive.
Theatre credits at Royal Manitoba Theatre Centre include, as Director: The Mountaintop, Women of the Fur Trade; as Intimacy Director: Orlando, Fun Home; as Consulting Director: Bang Bang (with Belfry Theatre); as Actor: Vanya and Sonia and Masha and Spike (with Mirvish Productions), Good People, Medea (with Mirvish Productions).
Theatre credits elsewhere include, as Actor: thirsty (NAC); The Crucible, Theory (Tarragon Theatre), Clybourne Park and The Overwhelming (Studio 180 with Mirvish Productions), The Tempest (Canadian Stage, Dream in High Park), Black Medea (Obsidian Theatre); as Director: Blink (University of Winnipeg); Prairie Nurse (Lighthouse Theatre); Calpurnia (Nightwood Theatre/Sulong Theatre); The Apology (Rabiayshna Productions).
Audrey is Royal MTC’s Associate Artistic Director. She has won three Dora Mavor Moore Awards and the Cayle Chernin Award for Theatre. She was nominated for the Pauline McGibbon Award for Direction twice. Audrey co-wrote The D-Cut, a six-episode series produced by Shaftesbury Films. The multiple award-winning series is on Crave (Canada) and Shaftesbury’s KindaTV channel. She wrote the libretto for Backstage at Carnegie Hall (Bradyworks), which will open in Montreal in 2022. She was commissioned to write The Legend of Daddy Hall for the Tarragon Theatre, which was part of their Acoustic Season (2020/2021). She has been commissioned by Nightswimming Theatre to write The Generations, an epic five-hour drama about the legacy of a Black family over eons of time. She was a recipient of CBC’s Creative Relief Fund for her television pilot called The Gordons. She has been a writer-in-residence at Obsidian Theatre and the Tarragon Theatre, where she was also the Urjo Kareda Artist-in-Residence and the Assistant Artistic Director. Audrey graduated from the National Theatre School of Canada in 2001.
Au théâtre, ses collaborations avec le Royal Manitoba Theatre Centre, comme metteuse en scène, comprennent : The Mountaintop, Women of the Fur Trade; comme coordonnatrice d’intimité : Orlando, Fun Home; comme metteuse en scène consultante : Bang Bang (avec Belfry Theatre); comme actrice : Vanya and Sonia and Masha and Spike (avec Mirvish Productions), Good People, Medea (avec Mirvish Productions).
Autres collaborations au théâtre, comme actrice : thirsty (CNA); The Crucible, Theory (Tarragon Theatre), Clybourne Park et The Overwhelming (Studio 180 with Mirvish Productions), The Tempest (Canadian Stage, Dream in High Park), Black Medea (Obsidian Theatre); comme metteuse en scène : Blink (Université de Winnipeg); Prairie Nurse (Lighthouse Theatre); Calpurnia (Nightwood Theatre et Sulong Theatre); The Apology (Rabiayshna Productions).
Audrey est directrice artistique associée au Royal MTC. Elle est lauréate de trois prix Dora Mavor Moore et du prix Cayle Chernin en théâtre. Elle a été deux fois finaliste au prix Pauline McGibbon (mise en scène). Elle est l’autrice du livret Backstage at Carnegie Hall (Bradyworks), qui sera présenté à Montréal en 2022. Le Tarragon Theatre l’a chargée d’écrire The Legend of Daddy Hall, dans le cadre de sa saison « acoustique » (2020-2021). Elle a écrit The Generations à la demande du Nightswimming Theatre, et a reçu une bourse du fonds d’aide à la création de la CBC pour The Gordons. Diplômée de l’École de théâtre du Canada.
Yasmine Espert is Assistant Professor in the Department of Visual Art & Art History at York University and an editor for Seen, a journal published by BlackStar Projects. Her publications on film, photography and the African Diaspora include “Listening to Revolution” for Artpress, “Can Photography Be Decolonial?” for Public Books, as well as a creative essay on sovereignty for Spectator, and an article on Black British film for Nka: Journal of Contemporary African Art. Other work is published by the Studio Museum in Harlem and Oxford University Press. Her research is supported by ACLS, Union Theological Seminary, the University of Michigan, Fulbright, and others. She was a research associate at the University of Michigan Museum of Art and the University of Illinois, Chicago (Bridge to Faculty). She received a doctorate in art history from Columbia University.
Yasmine Espert est professeure adjointe au Département d’arts visuels et d’histoire de l’art de l’Université York et rédactrice en chef de Seen, une revue publiée par BlackStar Projects. Parmi ses publications sur le cinéma, la photographie et la diaspora africaine, mentionnons : « Listening to Revolution », pour Artpress, « Can Photography Be Decolonial? » pour Public Books, ainsi qu’un essai créatif sur la souveraineté pour Spectator, et un article sur le cinéma britannique noir pour Nka: Journal of Contemporary African Art. Certains de ses travaux ont été publiés par le Studio Museum de Harlem et l’Oxford University Press. Ses recherches sont financées notamment par l’ACLS, l’Union Theological Seminary, l’Université du Michigan et la fondation Fulbright. Elle a été chercheuse associée au Museum of Art de l’Université du Michigan et à l’Université de l’Illinois à Chicago (programme Bridge to Faculty). Elle est titulaire d’un doctorat en histoire de l’art de l’Université Columbia.
Rachel Forbes is an award-winning set and costume designer creating for theatre, dance and film. Her work has been seen across the country at the Shaw Festival, Buddies in Bad Times, Obsidian Theatre, Neptune Theatre, YPT, Centaur Theatre and many more. She has designed, mentored and taught at Ryerson University and is currently serving on the board of directors of the Associated Designers of Canada. Rachel received a Dora Mavor Moore award for her costume design for The Brothers Size (Soulpepper 2019) and a Merrit Award for her set design for The Bridge (2B/Neptune 2019).
She is particularly interested in the development of new works through experimentation and exploration as well as interdisciplinary projects, especially those at the intersection of the visual arts and installation world with that of theatre and live performance. Rachel has been experimenting with designer-led performance projects and is keen to integrate design into the creation process.
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Theatre credits include Set and Costume Design for Home for the Holidays (Grand Theatre); Serving Elizabeth (Western Canada Theatre); A Million Billion Pieces, Risky Phil (Young People’s Theatre); Victory, 1837: The Farmers’ Revolt (Shaw Festival); The Bridge (Neptune Theatre/2b Theatre); Choir Boy (Centaur Theatre). Costume Design for White Girls in Moccasins (Manidoons/Buddies in Bad Times); Toka (LemonTree/TPM); The Mountaintop (Royal Manitoba Theatre Centre); A Streetcar Named Desire, The Brothers Size (Soulpepper); Fences (Grand Theatre). Set Design for Trouble in Mind (Shaw Festival); School Girls (Obsidian Theatre); In The Abyss (Political Movement).
Film/TV credits include: 1851 Spirit & Voice (Myseum/Soulpepper); New Monuments (Canadian Stage/Luminato); 21 Black Futures (Obsidian Theatre/ CBC); A Revolution of Love (Toronto History Museums/Awakenings); Body So Fluorescent (Madonnanera/lnside Out). Rachel received a Dora Mavor Moore Award for her costume design on The Brothers Size and a Merritt Award for her set design on The Bridge.
Rachel Forbes est une scénographe et conceptrice de costumes primée pour le théâtre, la danse et le cinéma. Elle a collaboré, entre autres, avec le Shaw Festival, le Buddies in Bad Times Theatre, l’Obsidian Theatre, le Neptune Theatre, le Young People’s Theatre et le Centaur Theatre. Elle a été conceptrice, mentore et professeure à l’Université Ryerson. Elle est membre du conseil d’administration de l’Association des designers canadiens. Rachel Forbes a reçu un prix Dora Mavor Moore pour la conception des costumes de la pièce The Brothers Size (Soulpepper 2019) et un prix Merritt pour ses décors dans The Bridge (2b et Neptune Theatre 2019).
Pour créer de nouvelles œuvres, Rachel Forbes mise sur l’expérimentation et l’exploration. Elle affectionne particulièrement les projets multidisciplinaires, notamment ceux à la croisée des arts visuels, du théâtre et du spectacle en direct. Elle a participé à des productions portées par des concepteurs et conceptrices et s’efforce d’intégrer la conception dans le processus de création.
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Au théâtre, ses collaborations, comme conceptrice de décors et de costumes, comprennent : Home for the Holidays (Grand Theatre); Serving Elizabeth (Western Canada Theatre); A Million Billion Pieces, Risky Phil (Young People’s Theatre); Victory, 1837: The Farmers’ Revolt (Shaw Festival); The Bridge (Neptune Theatre et 2b Theatre); Choir Boy (Centaur Theatre). Conception de costumes : White Girls in Moccasins (Manidoons et Buddies in Bad Times); Toka (LemonTree et TPM); The Mountaintop (Royal Manitoba Theatre Centre); A Streetcar Named Desire, The Brothers Size (Soulpepper); Fences (Grand Theatre). Conception de décors : Trouble in Mind (Shaw Festival); School Girls (Obsidian Theatre); In The Abyss (Political Movement).
Courts métrages : 1851 Spirit & Voice (Myseum et Soulpepper); New Monuments (Canadian Stage et Luminato); 21 Black Futures (Obsidian Theatre et CBC); A Revolution of Love (Musées d’histoire de Toronto et Awakenings); Body So Fluorescent (Madonnanera et lnside Out). Elle a reçu un prix Dora Mavor Moore pour la conception de costumes de la pièce The Brothers Size et un prix Merritt pour ses décors dans The Bridge.
Santiago Guzmán (he/they) is an award-winning playwright, dramaturge, performer, and director originally from Metepec, Mexico, now based in St. John’s, NL. He is the Artistic Director of TODOS Productions in St. John’s, NL, and the Artistic Associate for the pan-Atlantic organization Playwrights Atlantic Resource Centre. He is a proud member of The Quilted Collective.
Their work has been supported, developed and/or produced by theatre companies and festivals such as TODOS Productions (NL), Resource Centre for the Arts Theatre Company (NL), White Rooster Theatre (NL), Artistic Fraud of Newfoundland (NL), Poverty Cove Theatre Company (NL), Rising Tide Theatre (NL), Neighbourhood Dance Works (NL), Eastern Front Theatre (NS), PARC (pan-Atlantic), Ship's Company Theatre (NS), Theatre New Brunswick (NB), Boca Del Lupo (BC), Paprika Festival (ON), Banff Playwrights Lab (AB) and the National Theatre School of Canada’s Art Apart Program (QC).
Most recently, Santiago has been awarded the inaugural John Palmer Award 2022 through the PGC for being a change-maker in the theatre industry with their advocacy in the arts regarding equity, diversity, and anti-racism. He is a member of Playwrights Canada Press’s inaugural editorial committee.
Santiago Guzmán (il/iel) est un auteur, conseiller dramaturgique, artiste et metteur en scène primé originaire de Metepec, au Mexique. Il réside maintenant à St. John’s, à Terre-Neuve-et-Labrador, où il est directeur artistique de TODOS Productions. Il est également collaborateur artistique pour l’organisation panatlantique Playwrights Atlantic Resource Centre et est un fier membre du collectif The Quilted.
Son travail a été tour à tour financé, développé et produit par des compagnies de théâtre ou des festivals comme : TODOS Productions (T.-N.-L.), la compagnie de théâtre Resource Centre for the Arts (T.-N.-L.), White Rooster Theatre (T.-N.-L.), Artistic Fraud of Newfoundland (T.-N.-L.), la compagnie de théâtre Poverty Cove (T.-N.-L.), Rising Tide Theatre (T.-N.-L.), Neighbourhood Dance Works (T.-N.-L.), Eastern Front Theatre (N.-É.), Playwrights Atlantic Resource Centre (PARC) (panatlantique), Ship’s Company Theatre (N.-É.), Theatre New Brunswick (N.-B.), Boca del Lupo (C.-B.), Paprika Festival (ON), Banff Playwrights Lab (AB) et le programme Art à part de l’École nationale de théâtre du Canada (QC).
Récemment, Santiago s’est vu décerner le tout premier prix John Palmer 2022 de la Playwrights Guild of Canada, en reconnaissance des changements qu’il a apportés au milieu du théâtre en se mobilisant pour l’équité, la diversité et l’antiracisme dans les arts. Il est aussi membre du tout premier comité éditorial de Playwrights Canada Press.
Raven John, artist, involuntary comedian and two-spirit activist, is of Coast Salish and Stolo Nation descent. This Two-spirit Trickster is a BFA graduate from Emily Carr University of Art and Design, with a major in visual art and minor in social practice and community engagement, as well as a graduate of the North West Coast Jewelry Arts program at the Native Education College. Raven is a visual artist, cultural consultant, mediator, storyteller, photographer and sculptor. A jack-of-all-trades (and master of a few), their practice covers a wide array of mediums from provocation and humor, puppet making, ceramics, dressmaking, interactive electronics and Indigenous technologies.
Should you wish to participate in direct action regarding Truth and Reconciliation and/or the ongoing colonization/genocide of the Indigenous peoples of Canada, feel free to visit their website to directly wire them money for coffee, comic books and/or art supplies.
Artiste visuelle et de théâtre (par accident), et activiste et personne bispirituelle, Raven John est d’origine salish du littoral et de la Nation Stolo. Raven John, qu’on connaît aussi sous le nom de « Two-spirit Trickster », est titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts (majeure en arts visuels et mineure en pratiques sociales et engagement communautaire) de la Emily Carr University of Art and Design et a reçu un diplôme du programme North West Coast Jewelry Arts du Native Education College. Raven est artiste en arts visuels, travaille en consultation culturelle et médiation, et pratique le conte, photographie et la sculpture. Touche-à-tout, sa pratique couvre un large éventail de genres et de domaines, allant de la provocation à l’humour, en passant par la fabrication de marionnettes, la céramique, la confection de vêtements, les systèmes électroniques interactifs et les technologies autochtones.
Si vous souhaitez participer activement à la Vérité et réconciliation ou mettre un frein au processus de colonisation et de génocide des peuples autochtones du Canada toujours en cours, visitez le site Web pour m’envoyer directement de l’argent pour acheter du café, des bandes dessinées ou du matériel d’artiste.
My name is April Labine. I am a proud Indigenous woman, born March 29, 1972. My childhood was surrounded with abuse, which developed into anger issues and addiction as I grew older. I supported my addiction through prostitution and crime and spent many years behind provincial jails and federal prisons. In 2004, I got involved with Harm Reduction, which began the process of healing.
Through PASAN, I met and signed up for Confluence Arts Collective’s theatre group, which completely changed my life forever. In our first theatre project The Countess and Me we were many strong and resilient women standing together as one, coming together to eventually perform at the Buddies in Bad Times Theatre here in Toronto. Today I have been sober for four years, and am happily married. I work at Consumption Treatment Services at Fred Victor – this job has become my passion, being able to help other addicts. I had to find my purpose through my journey. Only l could have walked in my shoes, with no regrets.
Je m’appelle April Labine. Je suis née le 29 mars 1972. Je suis autochtone et fière de l’être. Dans mon enfance, j’ai été victime d’abus avant de souffrir d’agressivité et de toxicomanie à l’âge adulte. Pour subvenir à ma consommation, je suis tombée dans la prostitution et le crime. J’ai passé de nombreuses années derrière les barreaux des prisons fédérales et provinciales. En 2004, je me suis tournée vers Harm Reduction, et j’ai commencé à me soigner.
Grâce à PASAN, j’ai intégré la troupe de théâtre du Confluence Arts Collective. Cette rencontre a changé ma vie à jamais. Dans The Countess and Me, notre premier projet théâtral, nous formions un groupe uni de femmes fortes et déterminées, toutes prêtes à monter ensemble sur les planches du Buddies in Bad Times Theatre à Toronto. Je suis sobre depuis maintenant quatre ans, et je me suis mariée. Je travaille au service de traitement de la toxicomanie de Fred Victor. Ce travail est devenu ma passion, car j’aime venir en aide aux autres toxicomanes. J’ai enfin trouvé mon but dans la vie. Je peux me regarder dans le miroir, sans regret.
My name is Laverne Malcolm. I have been a client of PASAN since 2010, and a member of the Confluence Arts Collective theatre group since 2019. I have participated in many activities and programs around HIV/AIDS, and done many presentations around Visioning Health. I’ve faced many battles with plenty of addictions, which I have managed to control. I am proud of myself for the battles I’ve managed to conquer, and I have become a big supporter around Outreach plus Harm Reduction. As of May 2022, I am now employed, sober, and proud of what I’ve conquered and accomplished. I can stand alone and be strong for myself.
Je m’appelle Laverne Malcolm. Je fréquente le PASAN depuis 2010, et j’ai intégré la troupe de théâtre du Confluence Arts Collective en 2019. J’ai participé à une multitude d’activités et de programmes en lien avec le VIH/sida. Je me suis produite sur scène à de nombreuses reprises dans le cadre du projet Visualiser la santé. J’ai eu mon lot de problèmes, notamment la toxicomanie dont j’ai réussi à me sortir. Je suis fière des combats que j’ai menés. Je suis devenue une ardente défenseuse du programme Outreach Harm Reduction. Depuis mai 2022, je travaille, je suis sobre et je suis fière de tout ce que j’ai accompli. Je suis capable de m’en sortir seule et d’être forte.
Born and raised in Calgary, Alberta, Alyssa Maturino (she/her) is an emerging dance artist with a passion in choreography, film, and performance. She holds a Bachelor of Fine Arts in Dance from the University of Calgary where she has trained in ballet, jazz, and contemporary dance. Her passion for dance is ignited within the creative community as she seeks to explore interdisciplinary methods of presentation through collaboration and dance on film. As a film creator, Maturino desires to capture the essence of choreography and showcase the internalized voice of the moving body. She has recently completed film projects for Meghann Michalsky, Jason Owin F. Galeos, and Mpoe Mogale, and is currently an Artistic Associate under W&M Dance Projects.
Originaire de Calgary, en Alberta, Alyssa Maturino est une artiste émergente en danse qui se passionne pour la chorégraphie, le cinéma et l’interprétation. Elle détient un baccalauréat en beaux-arts, spécialité danse, de l’Université de Calgary, où elle a étudié le ballet, le jazz et la danse contemporaine. Sa passion pour la danse éclot au sein de la communauté artistique auprès de laquelle elle explore l'interdisciplinarité, notamment en mêlant danse et cinéma. À titre de réalisatrice, Alyssa Maturino cherche à capturer l’essence même de la chorégraphie et à exposer au grand jour la voix intérieure du corps en mouvement. Récemment, elle a réalisé plusieurs projets de films pour Meghann Michalsky, Jason Owin F. Galeos ou encore Mpoe Mogale. Elle est associée artistique aux projets de danse du W&M Physical Theatre.
Mpoe Mogale (they/them) reigns from Lebowakgomo, South Africa and splits their time between amiskwaciywâskahikan and moh’kínst’sis, in the colonial state of Canada. They hold a Bachelor of Arts (Hons) in Political Science, and a wealth of expertise in community-based research, facilitation, and arts administration.
Mpoe’s primary artmaking form is dance, with a curiosity in the place of Blackness in spaces that deny it, as explored through several projects including What (Black) Life Requires (produced by Mile Zero Dance and Azimuth Theatre). Mpoe’s current artistic imaginations have centered the brilliant, mundane, and joyous aspects that foreground the lives of Black folks.
Originaire de Lebowakgomo, en Afrique du Sud, Mpoe Mogale partage sa vie entre Amiskwaciywâskahikan et Moh’kínst’sis, territoires coloniaux du Canada. Mpoe Mogale est titulaire d’un baccalauréat ès arts spécialisé en sciences politiques et possède de solides compétences en recherche communautaire, animation et administration des arts.
En plus de nourrir une passion pour la danse, Mpoe Mogale s’intéresse à la place des personnes noires dans les lieux où elles en sont exclues au travers de plusieurs projets comme What (Black) Life Requires (produit par Mile Zero Dance et Azimuth Theatre). Son imagination artistique se porte sur les événements banaux, joyeux et extraordinaires de la vie des personnes noires.
Amina Mohamed is the Women’s Community Program Coordinator at PASAN. She provides education, advocacy, programming and case management to incarcerated and formerly incarcerated women living with HIV. In addition, she is a lead artist-facilitator with Confluence Arts Collective. With Confluence, Amina facilitates artistic creation programs in prisons and transitional residences. She is the co-founder of Sqwish, a weekly queer drop-in basketball night, and Hunhouse, a collective that curates dance parties for queer woman, trans and non-binary people.
Amina Mohamed est coordonnatrice des programmes communautaires pour les femmes de l’organisme PASAN. À ce titre, elle fournit de la formation, des conseils, des ressources et des programmes aux femmes incarcérées et aux anciennes détenues vivant avec le VIH. Artiste-animatrice à ses heures, elle collabore avec le Confluence Arts Collective pour animer des programmes de création artistique dans les prisons et les maisons de transition. Elle est également la cofondatrice de Sqwish, une soirée basketball réunissant chaque semaine des membres de la communauté queer, et du collectif Hunhouse qui organise des soirées dansantes pour les femmes queer, ainsi que les personnes trans et non binaires.
Omari Newton is an award-winning professional actor, writer, director and producer. As a writer, his original Hip Hop theater piece Sal Capone has received critical acclaim and multiple productions, including a recent presentation at Canada’s National Arts Center. He has been commissioned by Black Theater Workshop (BTW) in Montreal to write a companion piece to Sal Capone entitled Black & Blue Matters. Omari and his wife, fellow professional playwright Amy Lee Lavoie, have received commissions from The Arts Club Theatre to co-write a new play: Redbone Coonhound. A bold and innovative satirical comedy that confronts instances of systemic racism in the past, present and future. Omari is co-directing the first in a series of rolling world premiere at The Arts Club Theatre in October of 2022. The play will then open in Montreal (Imago Theatre) & then Tarragon Theatre in Toronto. The husband and wife duo also just completed "Black Fly," a satirical adaptation of Shakespeare's Titus Andronicus that centers on Aaron and Lavinia. Newton’s work in Speakeasy Theatre's production of Young Jean Lee's The Shipment earned him a 2017-2018 Jessie Richardson Award for Outstanding Performance by an Actor, as well as a nomination for Best Direction. He has recently completed directing critically acclaimed productions of "The Mountaintop" by Katori Hall, and "Pass Over" by Antoinette Nwandu. Notable film & TV credits include: Lucas Ingram on Showcase’s Continuum, Larry Summers on Blue Mountain State and lending his voice to the Black Panther in multiple animated projects (Marvel). Most recently, Omari has a recurring role as Nate on Corner Gas (the animated series) and a recurring role as Corvus of Netflix’s hit new animated series The Dragon Prince.
Lauréat de plusieurs prix, Omari Newton œuvre professionnellement comme comédien, auteur, metteur en scène et producteur. Saluée par la critique, sa pièce de théâtre hip-hop Sal Capone a été montée à de nombreuses reprises, y compris au Centre national des Arts du Canada en 2018. À la demande du Black Theatre Workshop de Montréal, Newton a écrit une suite pour Sal Capone, intitulée Black & Blue Matters, créée par la compagnie en 2019. Newton et sa conjointe Amy Lee Lavoie, qui est dramaturge professionnelle, ont récemment reçu une subvention du Conseil des arts du Canada pour concevoir une nouvelle pièce, Redbone Coonhound. Plus récente collaboration du duo, cette comédie satirique audacieuse et innovatrice s’attaque à différents cas de racisme systémique d’hier, d’aujourd’hui et de demain. Newton a remporté le prix Jessie-Richardson du Comédien de l’année pour son rôle dans The Shipment de Young Jean Lee (production du Speakeasy Theatre, saison 2017–2018), et obtenu une citation pour la meilleure mise en scène pour cette même production.
Omari Newton a incarné plusieurs personnages au grand comme au petit écran, y compris Lucas Ingram dans Continuum (Showcase) et Larry Summers dans Blue Mountain State. Il a également prêté sa voix à la Panthère noire dans plusieurs projets d’animation (Marvel) et, plus récemment, à Nate dans Corner Gas – Animated et Corvus dans la série d’animation The Dragon Prince (Netflix).
Marilo Nuñez is a Chilean Canadian playwright, director, actor and academic. She was the 2018 recipient of the Hamilton Arts Awards for Established Theatre Artist and was recently nominated for the Johanna Metcalf Performing Arts Prize. She is the 2021-22 Playwright in Residence at Aluna Theatre (Toronto) and was a member of Natural Resources, Factory Theatre’s playwright’s unit for established writers in 2019. She was Playwright-in-Residence at Aluna Theatre in 2016 and was McMaster University’s first Playwright-in-Residence in 2018.
She is the only Canadian workshop facilitator using the Fornes Method to teach playwriting at theatres and universities across the country. She was founding Artistic Director of Alameda Theatre Company, a company dedicated to developing the new work of Latinx Canadian playwrights. She has an MFA in Creative Writing from the University of Guelph and is currently obtaining her Ph D. in Theatre & Performance Studies at York University.
Her play El Retorno/I Return has been turned into a podcast for Radio Aluna Theatre which will be released in May 2021.
Marilo Nuñez est une autrice dramatique, actrice et universitaire. En 2018, la canado-chilienne est reconnue comme étant une artiste de théâtre établie par les Hamilton Arts Awards et a été finaliste aux prix Johanna Metcalf des arts de la scène. Invitée comme dramaturge en résidence à plusieurs occasions au Aluna Theatre de Toronto (en 2016 et 2021-2022), elle a été la première dramaturge en résidence de l’Université McMaster en 2018. L’année suivante, elle intègre Natural Resources, un collectif de dramaturges établis du Factory Theatre.
Elle est la seule animatrice d’ateliers au Canada à utiliser la méthode Fornés pour enseigner l’écriture dramatique dans les universités et les théâtres du pays. Elle a été directrice artistique de l’Alameda Theatre Company, compagnie qu’elle a par ailleurs fondée et dont la mission est de promouvoir les autrices et auteurs dramatiques latino-canadiens. Titulaire d’une maîtrise en création littéraire de l’Université de Guelph, elle vient de décrocher son doctorat en études théâtrales et arts du spectacle à l’Université York.
En mai 2021, sa pièce El Retorno/I Return a été adaptée en balado pour la radio de l’Aluna Theatre.
Jivesh Parasram (He/Him/His) is an award winning multidisciplinary artist, community activator, and facilitator of Indo-Caribbean descent. His work has played across Canada, and Internationally.
Jiv grew up in K’jipuktuk (Halifax) and endeavours to split his time between T’karón:to (Toronto) and the Unceded Coast Salish Territories (Vancouver). In 2009 he co-founded the award winning collective Pandemic Theatre, and currently holds the position of Artistic Director for Rumble Theatre.
Parasram is a “Dora Mavor Moore” award nominated artist, and the recipient of two “Harold Awards” for his contributions to the Independent Theatre Community of Toronto, including the Ken McDougall Award for Direction.
Internationally he has received a “Herald Angel” from the Edinburgh Fringe for his contributions to the 2018 CanadaHub programming. Jiv was a member of the second cohort of the Cultural Leaders Lab with the Toronto Arts Council and the Banff Centre and was the recipient of the 2018 Toronto Arts Foundation Emerging Artist Award. His play “Take d Milk, nah?” was recently nominated for the Governor General's literary awards.
Jivesh Parasram (il/lui) est un artiste multidisciplinaire, un instigateur de projets communautaires et un animateur d’origine indo-caribéenne lauréat de plusieurs prix. Ses œuvres ont été présentées au Canada et à l’étranger.
Il a grandi à K’jipuktuk (Halifax) et tente de partager son temps entre Tkaronto (Toronto) et le territoire non cédé des peuples salish du littoral (Vancouver). En 2009, il a cofondé le collectif primé Pandemic Theatre et est actuellement le directeur artistique du Rumble Theatre.
Parasram a été en nomination pour le prix Dora Mavor Moore et a reçu deux prix Harold pour ses contributions au milieu du théâtre indépendant de Toronto, y compris le prix Ken McDougall de la mise en scène.
Au niveau international, il a reçu le Herald Angel du festival Fringe d’Édimbourg pour sa contribution à la programmation du CanadaHub de 2018. Jivesh Parasram a participé à la deuxième cohorte du laboratoire des leaders culturels du Conseil des arts de Toronto et du Centre des arts de Banff, et a remporté le prix d’artiste de la relève de la Toronto Arts Foundation en 2018. Sa pièce Take d Milk, nah? a récemment été finaliste aux Prix littéraires du Gouverneur général.
Kim Senklip Harvey is a proud Syilx and Tsilhqot’in award-winning director, writer and actor who is known for her ability to craft stories that inspire, nourish and delight.
Kim was the first Indigenous woman to win the Governor General’s Award for Drama in 2020 with her play Kamloopa. She is the host and lead creative producer of the podcast The Indigenous Cultural Evolutionist which is streamed in over 20 countries.
Kim is currently developing three TV series, writing her first book of prose and is in pre-production for her next play Break Horizons: A Rocking Indigenous Justice Story. Kim has her Masters in Creative Writing and is currently getting her PhD in Law. Harvey believes that storytelling is the most compelling medium to move us to a place where everyone is provided the opportunity to live peacefully.
Kim Senklip Harvey est une metteure en scène primée, autrice et interprète membre des Nations Syilx et Tsilhqot’in qui est reconnue pour sa capacité à construire des récits inspirants, instructifs et captivants.
En 2020, elle devient la première femme autochtone à remporter le Prix littéraire du Gouverneur général en théâtre pour sa pièce Kamloopa. Elle anime et assure la production artistique du balado The Indigenous Cultural Evolutionist, qui est diffusé dans plus de 20 pays.
Elle travaille présentement à l’écriture de trois séries télévisées et de son premier ouvrage en prose, en plus de s’atteler à la production de sa prochaine pièce, Break Horizons: A Rocking Indigenous Justice Story. Titulaire d’une maîtrise en création littéraire, Kim Senklip Harvey termine actuellement son doctorat en droit. Pour elle, le récit est le meilleur moyen de transporter le public dans un univers où règne la sérénité.
Nikki Shaffeeullah (she/her) is a director, writer, actor, and facilitator who creates theatre, film, and poetry. Past roles include artistic director of The AMY Project, and editor-in-chief of alt.theatre magazine.
As a facilitator, Nikki supports grassroots groups to navigate collective processes and to uphold equity and accountability in all aspects of their work. An award-winning theatre and film artist, Nikki collaborates with companies and artists from across Canada. She has held residencies with organizations including Canadian Stage, Why Not Theatre, The Theatre Centre, SummerWorks, and others. She has an MFA from the University of Alberta and is a fellow in the Salzburg Global Forum for Cultural Innovators.
Nikki believes art should disrupt the status quo, centre the margins, engage with the ancient, dream of the future, and be for everyone.
Nikki Shaffeeullah est une metteure en scène, autrice, comédienne et animatrice dans les domaines du théâtre, du cinéma et de la poésie. Précédemment, elle a été directrice artistique du AMY Project, et rédactrice en chef de la revue alt.theatre.
À titre d’animatrice, Nikki Shaffeeullah aide les associations à gérer les différents processus collectifs en vigueur et à s’assurer qu’elles respectent les principes d’équité et de responsabilité dans tous les aspects de leurs activités. Artiste de théâtre et de cinéma primée, elle collabore avec des compagnies et des artistes de tout le Canada, en plus d’effectuer des résidences auprès de plusieurs organisations, telles que la Canadian Stage Company, le Why Not Theatre, le Theatre Centre ou SummerWorks. Titulaire d’une maîtrise en beaux-arts de l’Université de l’Alberta, elle participe au Forum mondial de Salzbourg pour les innovateurs dans le domaine culturel.
Nikki Shaffeeullah croit que l’art se doit de secouer le statu quo, de faire la part belle au non-conformisme, de s’intéresser au passé, d’imaginer le futur et d’être universel.
Sobia Shaheen Shaikh (she/her) is a mother, writer, activist, social work professor and engaged community member from St. John’s, NL. She has deep community ties with anti-racist, feminist, arts, women’s, disability, youth, student and environmental justice organizations. Sobia is a founding member of the Anti-Racism Coalition NL, The Quilted Collective of Racialized NL Writers and the Creators’ Collective NL: Indigenous, Racialized and Migrant Artists and Arts Workers. She recently co-edited a textbook called Critical Social Work Praxis (Fernwood, 2022).
Sobia’s creative work is grounded in anti-racist feminist praxis. Two of her short stories, “softly, with niyyat” and “You-See,” are published in anthologies (Us, Now: Stories from The Quilted Collective, 2021; Hard Ticket, 2022). Sobia’s short monologue called “Rage and Release” which was produced for The Imaginary Real: The Secret Landscape of Stories project (Artistic Fraud NL, 2022). She is currently involved with other writing projects, including a co-written radio play called (Un)Boarding. Sobia also participated in the TODOS Productions’ 2021 Writing Unit, and is continuing her work on a play about disability and mothering.
Sobia Shaheen Shaikh (elle) est mère, écrivaine, professeure de travail social et membre active de la communauté de St. John’s, T.-N. Elle travaille étroitement avec des organisations communautaires antiracistes, féministes, artistiques, étudiantes, ou qui défendent la justice environnementale, les droits des femmes, des personnes en situation de handicap et des jeunes. Sobia est membre fondatrice de la Coalition contre le racisme à Terre-Neuve, du Quilted Collective of Racialized NL Writers et du Creators’ Collective NL: Indigenous, Racialized and Migrant Artists and Arts Workers. Elle a récemment codirigé l’ouvrage Critical Social Work Praxis (Fernwood, 2022).
Le travail créatif de Sobia s’appuie sur une pratique féministe antiraciste. Deux de ses nouvelles littéraires, « softly, with niyyat » et « You-See » ont été publiées dans des anthologies (Us, Now: Stories from The Quilted Collective, 2021; Hard Ticket, 2022). Son bref monologue intitulé Rage and Release a été produit dans le cadre du projet The Imaginary Real: The Secret Landscape of Stories (Artistic Fraud, T.-N., 2022). Parmi ses autres projets littéraires, mentionnons la coécriture d’une pièce de théâtre pour la radio, (Un)Boarding; sa participation au groupe d’écriture des productions TODOS en 2021; et l’écriture d’une pièce de théâtre au sujet des situations de handicap et des soins maternels.
Makambe K Simamba is a Dora Award-winning playwright and actor for her solo work, Our Fathers, Sons, Lovers and Little Brothers. Select stage acting credits include Serving Elizabeth (Thousand Islands Playhouse); Winners and Losers (Chromatic Theatre); A Chitenge Story (Handsome Alice); GIANT (Ghost River Theatre); Bea (Sage Theatre); SIA (Pyretic Productions); and inVISIBLE (Handsome Alice).
Makambe is a national award-winning playwright whose work includes Our Fathers, Sons, Lovers and Little Brothers, A Chitenge Story, Makambe Speaks, MUD and The Drum Major Instinct. She was the 2020/21 Urjo Kareda Artist in Residence at Tarragon Theatre, as well as co-host of the Blackstage Pass podcast at Cahoots theatre.
Makambe is a proud Zambian whose intention is to be of service through her ability to tell stories.
Comédienne et dramaturge, Makambe K Simamba a vu son talent récompensé aux prix Dora pour son seule-en-scène Our Fathers, Sons, Lovers and Little Brothers. Comme comédienne, on a pu la voir dans Serving Elizabeth (Thousand Islands Playhouse) Winners and Losers (Chromatic Theatre), A Chitenge Story (Handsome Alice), GIANT (Ghost River Theatre), Bea (Sage Theatre), SIA (Pyretic Productions) et inVISIBLE (Handsome Alice).
Dramaturge primée, elle a écrit, entre autres, les pièces Our Fathers, Sons, Lovers and Little Brothers, A Chitenge Story, Makambe Speaks, MUD et The Drum Major Instinct. Elle a reçu la bourse de résidence Urjo Kareda 2020-2021 au Tarragon Theatre, et a coanimé le balado Blackstage Pass au Cahoots theatre.
Fière de ses origines zambiennes, Makambe K Simamba promet de mettre tout son talent au service des histoires.
Donna-Michelle St. Bernard aka Belladonna the Blest is an emcee, playwright and agitator. Her main body of work, the 54ology, includes Cake, Sound of the Beast, A Man A Fish, Salome’s Clothes, Gas Girls, Give It Up, The Smell of Horses and The First Stone. DM is currently the emcee in residence at Theatre Passe Muraille, associate artist at lemonTree Creations and coordinator of the AD HOC Assembly.
Donna-Michelle St. Bernard (Belladonna the Blest) est animatrice, dramaturge et agitatrice. Parmi ses œuvres principales, regroupées sous le chapeau « The 54ology », notons Cake, Sound of the Beast, A Man A Fish, Salome’s Clothes, Gas Girls, Give It Up, The Smell of Horses et The First Stone. Elle est actuellement animatrice en résidence au Théâtre Passe Muraille, collaboratrice artistique à lemonTree creations et coordinatrice de l’AD HOC Assembly.
In addition to her role as Artistic Director of Cahoots Theatre, Tanisha is a director/actor/playwright, musical artist, theatre & anti-racism educator, accidental essayist, and audiobook director for Penguin Random House Canada. A former preschool teacher, her journey includes encounters with numerous arts organizations. She has been nominated for the Pauline McGibbon Award for Unique Talents, and her plays Admissions and Keeper are published by Scirocco Drama. Tanisha is a recipient of the Canadian Music Publishers Association Award & Scholarship for distinction in songwriting, and was a 2021 finalist for the Gina Wilkinson Prize honouring female theatremakers who centre community in their leadership. She is part-time faculty at Sheridan College's Music Theatre Performance program, where she teaches Acting Through Song, and George Brown Theatre School, where she teaches Contemporary and Canadian Scene Study. Tanisha is a two-time YWCA Woman of Distinction nominee for her commitment to artistic excellence and social justice.
Directrice artistique du Cahoots Theatre, Tanisha Tait est aussi dramaturge, metteure en scène, comédienne, musicienne, animatrice d’ateliers de théâtre et de lutte contre le racisme, essayiste par accident, ainsi que directrice de la collection de livres audio chez Penguin Random House Canada. Ancienne enseignante au préscolaire, son parcours est jalonné de nombreuses collaborations artistiques. Elle a été finaliste au prix Pauline McGibbon, et ses pièces Admissions et Keeper sont parues chez Scirocco Drama. Lauréate d’un prix assorti d’une bourse d’études en écriture de chansons de l’Association canadienne des éditeurs de musique, elle a été en 2021 finaliste du prix Gina Wilkinson qui récompense les femmes de théâtre qui placent la communauté au centre de leur leadership. Elle est professeure à temps partiel au programme de comédie musicale du Collège Sheridan, où elle enseigne l’interprétation à travers le chant. Elle enseigne également à l’École de théâtre George Brown l’étude de la scène contemporaine et canadienne. Tanisha Taita a été deux fois finaliste au YWCA Woman of Distinction Awards pour son engagement en faveur de l’excellence artistique et de la justice sociale.
Pam Tzeng 曾小桐 (she/her) is a second-generation Taiwanese-Canadian choreographer, performer, arts worker, and movement educator. She was born, raised and is based in Mohkínstsis / Calgary Treaty 7 Territory. Pam takes pleasure in extremes to craft honest, visceral and animated performances about the politics of the body with objects. Led by her embodied curiosities, she graciously traverses charged thematic territories to reveal and empower unseen truths. Pam's creative heart is currently invested in: nurturing her trauma-informed facilitation and conflict transformation practice; touring her work SHED | knowing each other as different and the same; and supporting equity and anti-racism change in the arts through grassroots initiatives, organizing with the Cultural Instigators, and consultation work.
Pam Tzeng 曾小桐 est une chorégraphe, interprète, artiste et éducatrice en mouvement canado-taïwanaise de deuxième génération. Depuis toujours, elle vit à Mohkínstsis/Calgary, sur le territoire du Traité no 7. Pam Tzeng cultive les extrêmes pour créer des prestations honnêtes, viscérales et dynamiques sur les politiques liées au corps en se servant d’objets. Suivant son esprit curieux, elle traverse avec grâce les territoires thématiques importants pour révéler les vérités cachées et leur redonner tout leur pouvoir. Quand elle n’est pas en tournée pour présenter sa création SHED | knowing each other as different and the same, elle utilise sa créativité pour soutenir une pratique tenant compte des traumatismes et de la transformation des conflits. Elle s’attèle à promouvoir l’équité et à combattre le racisme dans les arts en organisant avec le collectif Cultural Instigators des consultations et des initiatives communautaires.
Miki Wabisca (Wolf) is a Southern Tutchone, Tlingit, and Cree multi-disciplinary performer and facilitator, proudly from the Champagne and Aishihik Nation in the Yukon. Miki holds a BFA from SFU School for the Contemporary Arts, and has studied embodied experimental acting, contemporary dance and movement, and voice extensively outside of the institution for the past decade.
Miki is actively pursuing research in new praxis methodologies for Indigenous performers that exist within and through colonial modalities of teaching. She is always interested in decolonization of accepted theatre-making practices through relationality, and cultivating a supportive internal partner for self and others via abundance mentality and gentle abolitionist viewpoints in creative spaces. She is currently dividing her time between her homeland in the Yukon, and Treaty 6 Territory (Saskatoon).
Miki Wabisca (Wolf) est une artiste multidisciplinaire et animatrice tutchone du Sud, tlingite et crie, fier d’être originaire des Premières Nations Champagne et Aishihik du Yukon. Miki est titulaire d’un baccalauréat en arts contemporains de l’Université Simon Fraser, et a étudié en profondeur le jeu expérimental, la danse et le mouvement contemporains, et la voix en dehors des établissements scolaires au cours de la dernière décennie.
Miki mène des recherches sur les nouvelles pratiques méthodologiques destinées aux interprètes autochtones au sein des modes d’enseignements coloniaux. Elle tente de décoloniser les pratiques théâtrales traditionnelles en ayant recours à la dimension relationnelle, et en cultivant un « partenaire intérieur » encourageant envers elle-même et les autres grâce à une attitude confiante et des opinions abolitionnistes mesurées dans les espaces créatifs. Elle partage son temps entre sa terre natale, le Yukon, et le territoire du Traité n˚ 6 (Saskatoon).
Olivia Wheeler is a mixed-race, Chinese Canadian sound designer, composer, and multi-disciplinary artist. She is a recent graduate of the University of Victoria with a degree in theatre and minor in music. Her work specializes in sound design, composition, technical theatre, immersive performance design and puppetry.
Recent theatre design credits include associate sound design for The Three Women of Swatow (Tarragon Theatre), sound design for It’ll Come to Me (Theatre SKAM), and production design for The Fates, End of Term and Backliners (Theatre SKAM). Audio credits include sound design for Liberated Feminist Futures (Nightwood Theatre), Ganga’s Ganja (Red Betty Theatre), and Knife Skills (Blue Jaye Productions), and composition and sound editing for the podcasts A Slice of PI and Patchworks. Her upcoming work includes assistant sound design for Every Little Nookie, Hamlet-911, 1939 (Stratford Festival).
Olivia Wheeler est une compositrice, conceptrice sonore et artiste multidisciplinaire sino-canadienne. Elle est diplômée en théâtre de l’Université Victoria, avec une mineure en musique. Ses domaines de prédilection sont la conception sonore, la composition, les techniques théâtrales, la conception de prestations immersives et les marionnettes.
Parmi ses récentes réalisations, mentionnons Three Women of Swatow (Tarragon Theatre) en tant qu’associée à la conception sonore, It’ll Come to Me (Theatre SKAM) à titre de conceptrice sonore, et enfin The Fates, End of Term and Backliners (Theatre SKAM) comme conceptrice de production. En plus de ses conceptions sonores pour Liberated Feminist Futures (Nightwood Theatre), Ganga’s Ganja (Red Betty Theatre) et Knife Skills (Blue Jaye Productions), elle a signé la composition et le montage sonore des balados A Slice of PI et Patchworks. On la retrouvera prochainement comme assistante à la conception sonore des productions Every Little Nookie, Hamlet-911 et 1939 (Stratford Festival).
amber williams-king is a Caribbean artist and writer, currently living in Tkaronto. Her illustrative work explores various themes including collectivity, social movements, queer ecologies and the black radical tradition.
Artiste et autrice caraïbéenne, Amber Williams-King vit à Tkaronto. Dans ses illustrations, elle explore différents thèmes, dont la collectivité, les mouvements sociaux, les écologies queer et la tradition radicale noire.
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