Eriel Tchekwie Deranger est membre de la Première Nation Dënesųłiné des Chipewyans d’Athabasca (Traité 8) et mère de deux enfants. Elle est cofondatrice et directrice générale d’Indigenous Climate Action (ICA), organisation pour la justice climatique visant à renforcer l’autonomie des communautés et envisager avec les Autochtones des solutions aux actuels enjeux climatiques. ICA élabore des ressources éducatives multimédias destinées aux communautés autochtones, fait connaître les histoires de celles-ci et soutient les droits des Autochtones à la souveraineté et à l’autodétermination.

Outre son rôle à ICA, Deranger a été l’un des membres fondateurs du Caucus global de la jeunesse autochtone de l’ONU; elle participe activement au Forum des peuples autochtones de l’ONU (rencontres préparatoires et conférences de la CCNUCC); et fait partie du conseil d’administration d’organisations comme Bioneers, It Takes Roots, Climate Justice Resilience Fund, UK Tar Sands Network et WWF-Canada.

Ses articles ont été publiés dans The Guardian, The Yellowhead Institute, The National Observer et The Red Pepper Magazine. Eriel Tchekwie Deranger est fréquemment sollicitée par divers médias nationaux et internationaux, tels Democracy Now!, Aboriginal Peoples Television Network (APTN) et CBC.

Kendra Fanconi est directrice artistique de The Only Animal, une compagnie en activité depuis 15 ans qui se spécialise dans le théâtre profondément ancré dans les lieux et favorisant l’émergence de solutions pour faire face aux changements climatiques.

Reconnue pour son amour de l’impossible, Fanconi a travaillé à plusieurs projets à titre de dramaturge et metteure en scène, comme la première mondiale de Slime de Bryony Lavery; tinkers, adaptation scénique du roman de Paul Harding lauréat d’un Prix Pulitzer; Nothing But Sky, une bande dessinée-installation (lauréat du prix Jessie pour l’excellence de la réalisation artistique); et NiX, un spectacle de neige et de glace présenté aux Olympiades culturelles et au Festival Enbridge en 2010 ainsi qu’aux Alberta Theatre Projects en 2009 (lauréat du Prix Betty Mitchell et du Prix de la critique vancouvéroise en innovation). Parmi ses projets actuels, signalons 1000 Year Theatre et Museum of Rain.

Avec l’aide de la Fondation David Suzuki, elle dirige Artist Brigade, qui a pour mission de placer les artistes à l’avant-scène du mouvement de lutte contre les changements climatiques. Résidant sur une île du territoire shíshálh, sur la côte ouest du Canada, Kendra Fanconi est agricultrice, chasseuse-cueilleuse, conjointe d’un philosophe et mère de deux enfants turbulents.

Tom Green se concentre sur les questions climatiques à la Fondation David Suzuki; il œuvre à faire progresser les politiques climatiques visant à réduire les émissions au Canada et à accélérer le virage vers une économie propre. Il adore passer du temps en pleine nature afin d’atténuer le désespoir qu’entraîne la dégradation de notre écosystème peu prise au sérieux. Green s’intéresse depuis longtemps aux mécanismes économiques des changements environnementaux. Titulaire d’un doctorat en Économie environnementale (UBC), il a enseigné à l’Universidad del Rosario (Bogotá, Colombie), aux universités Simon-Fraser, Royal Roads et Quest (Canada) ainsi qu’au Centre de la résilience de Stockholm. Tom Green est l’un des membres fondateurs de la Société canadienne pour l’économie environnementale, et a travaillé avec une coalition de groupes environnementaux à préserver 3,1 millions d’hectares de la Great Bear Rainforest (C.-B.).

Artiste de théâtre, écrivaine, productrice et enseignante, Ariel Martz-Oberlander réside sur le territoire non cédé des peuples salish du littoral. Forte d’une expérience en théâtre communautaire, elle est actuellement gestionnaire des programmes jeunesse à The Clutch; elle y organise et anime des activités de mentorat pour de jeunes artistes de 13 à 26 ans, et produit le festival des arts jeunesse IGNITE! Elle a en outre été militante citoyenne pour l’environnement, à Vancouver comme dans les camps de première ligne partout en Colombie-Britannique, afin de faire cesser l’extraction minière et soutenir la souveraineté des Autochtones. Petite-fille de réfugiés juifs, elle explore dans sa propre pratique artistique les complexes liens entre territoire et identité.

Parmi ses projets récents, notons : Safe: The Jewish Vault, présenté au HIVE dans le cadre du festival Magnetic North; The Full Light of Day à l’Electric Company Theatre (assistance à la mise en scène); Shelter, un spectacle pour un seul membre du public à la fois traitant du deuil climatique; Time Machine avec le Radix Theatre, une pièce se déroulant sur un yacht et imaginant notre avenir suivant une apocalypse climatique; et Hysteria, une originale comédie primée portant sur le consentement et la technologie. Ariel Martz-Oberlander est lauréate du Prix des arts du maire de Vancouver 2017 (artiste émergente de la communauté).

Georgina Riel (Waabishki Mukwa Kwe) est membre de la Première nation ojibwée des Batchewanas de Sault-Sainte-Marie (Bawating, « peuple des rapides »), en bordure du lac Supérieur.

Fondatrice et chef de la direction de RIEL Cultural Consulting, elle est consultante en éducation, artiste, joueuse de tambour à main, chanteuse, danseuse et aînée. Elle réside actuellement avec son mari et leurs deux fils à Kingston (Katarokwi, « lieu de rassemblement »), situé près du lac Ontario. Passionnée de toutes les splendeurs des arts, elle est membre fondatrice du festival qui se tient à Kingston pour la Journée internationale des peuples autochtones, lequel met en vedette une multitude d’artistes et de musiciens autochtones, métis et inuits venus de partout en Amérique du Nord (île de la Tortue), et met l’accent sur les œuvres modernes et traditionnelles de genres variés.

Ken Schwartz est directeur artistique du Two Planks and a Passion Theatre, basé dans le comté de Kings, en Nouvelle-Écosse. Il a remporté six prix Merritt, la médaille du jubilé d’or de la reine Elizabeth II et celle de son jubilé de diamant ainsi que le prix de l’Artiste établi de la Nouvelle-Écosse. Double diplômé de l’École nationale de théâtre du Canada, Schwartz a participé au programme Michael Langham au Festival de Stratford en 2013, et est actuellement membre du conseil d’administration d’Arts Nouvelle-Écosse.

Anthony Simpson-Pike est metteur en scène et conseiller dramaturgique. Il a précédemment été metteur en scène associé à The Gate Theatre. Il a récemment mis en scène The Ridiculous Darkness de Wolfram Lotz, présenté à The Gate, et dirigé les acteurs dans Master Harold and the Boys au National Theatre.

À titre de conseiller dramaturgique, il a programmé deux saisons à The Gate; il a également été nommé conseiller dramaturgique de la Résidence internationale de la Royal Court. Il dirigera en outre le projet international de celle-ci dans les Caraïbes de langue anglaise. Simpson-Pike collabore à une variété de spectacles indépendants, notamment en danse et en théâtre; il a été conseiller dramaturgique de l’Artist Climate Lab de LTC en 2018 et en a coorganisé le contenu l’année suivante. Il a été artiste invité en résidence à la Résidence internationale en mise en scène du Centre des Arts de Banff en 2019. Il sera en outre chargé d’enseignement en résidence à l’Université Birkbeck (nouveau programme de maîtrise en mise en scène). Finaliste du 20^e prix JMK et du prix RTST 2019, il a été sélectionné par le British Council pour participer au DirectorsLab North de Toronto.

Artiste multidisciplinaire, il a par ailleurs mis en scène plusieurs pièces radiophoniques pour la Tamasha Theatre Company. Enfin, Anthony Simpson-Pike est passionné de théâtre pour les jeunes et les communautés; il a œuvré à titre d’animateur à The Gate, The Royal Court, The Young Vic, The National Theatre et The Globe.

Donna-Michelle St. Bernard (Belladonna the Blest) est animatrice, dramaturge et agitatrice. Parmi ses œuvres principales, regroupées sous le chapeau « The 54ology », notons Cake, Sound of the Beast, A Man A Fish, Salome’s Clothes, Gas Girls, Give It Up, The Smell of Horses et The First Stone. Elle est actuellement animatrice en résidence au Théâtre Passe Muraille, collaboratrice artistique à lemonTree creations et coordinatrice de l’AD HOC Assembly.

Jordan Tannahill est dramaturge et metteur en scène. C’est « l’un des jeunes dramaturges, cinéastes et artistes multidisciplinaires les plus accomplis et les plus célébrés du Canada » (The Toronto Star); « l’un des plus extraordinaires artistes du pays » (CBC) et « l’enfant terrible du théâtre canadien » (The Walrus).

Il a remporté de nombreux prix Dora Mavor Moore, le prix John-Hirsch en mise en scène ainsi que deux Prix du Gouverneur général en théâtre (Age of Minority: Three Solo Plays, 2014, et Botticelli in the Fire & Sunday in Sodom, 2018).

Ses pièces ont été traduites en dix langues. Les lectures de ses textes et ses productions ont été notamment présentées au Young Vic, à Sadler’s Wells, au Festival d’Avignon, au Lincoln Centre, au Volkstheater, au Deutsches Theatre, au festival international d’Édimbourg et dans le West End londonien. On a pu voir les films de Jordan Tannahill dans les plus grands festivals internationaux du film, y compris à Toronto, Tribeca et Venise.

Aidan Tomkinson est une jeune femme déterminée de 17 ans qui se passionne pour l’éducation des communautés sur notre monde en constante évolution et pour le travail avec les gens afin d’apporter des changements vers un avenir plus durable. Elle a développé un lien fort avec les communautés en fondant Fridays For Future Kingston. Elle s’est mise en grève tous les vendredis depuis avril 2019 pour encourager des changements positifs au sein du gouvernement, de la population et des grandes corporations. Parmi les nombreux projets dans lesquels elle s’implique, Aiden aime organiser des événements sociaux et y prendre la parole afin de promouvoir un avenir plus vert.

Lauréat de la bourse Vanier, Syrus Marcus Ware est artiste visuel, activiste, enseignant et organisateur de contenu. Il explore les structures de la justice sociale et de la culture d’activisme dans la population noire à travers la peinture, les installations et les prestations artistiques. Ses œuvres ont notamment été présentées à la galerie Grunt de Vancouver (exposition solo 2068 : Touch Change), à la Biennale des arts 2019 de Toronto (œuvre de commande) et au Centre de l’image Ryerson (Ancestors, Do You Read Us? (Dispatches from the Future) et Antarctica) ainsi que dans le cadre d’expositions collectives à l’Art Gallery of Ontario, aux galeries d’art des universités Lethbridge, York et Windsor, et à Nuit Blanche 2017 (organisation de contenu, The Stolen People; Won’t Back Down). Des festivals de tout le pays ont programmé ses prestations, telles Cripping The Stage (Centre Harbourfront, 2016 et 2019), Complex Social Change (Galerie d’art de l’Université Lethbridge, 2015) et Decolonizing and Decriminalizing Trans Genres (Université de Winnipeg, 2015).

Membre du collectif PDA (Performance Disability Art), Syrus a été le coprogrammateur de Crip Your World: An Intergalactic Queer/POC Sick and Disabled Extravaganza, présenté à Mayworks 2014. Parmi ses projets à titre de commissaire d’exposition, notons That’s So Gay (hôtel Gladstone, 2016–2019), Re:Purpose (galerie Robert McLaughlin, 2014) et le Church Street Mural Project (Church-Wellesley Village, 2013). Il a en outre été coorganisateur de l’initiative de deux ans du Centre national des Arts portant sur les artistes du spectacle handicapés.

Coorganisateur de contenu pour Blackness Yes!/Blockorama, Syrus est aussi l’un des membres principaux de Black Lives Matter (Toronto). Il a obtenu de nombreuses distinctions, tels le Prix TD de la diversité (2017) et le Prix Steinert & Ferreiro (2012). Sacré « Meilleur activiste queer » par le NOW Magazine en 2005, il est doctorant à l’Université York (Faculté des études environnementales).

Erin Ball est une artiste de cirque, propriétaire de Kingston Circus Arts et cofondatrice de LEGacy Circus (compagnie artistique active à Kingston et Halifax). Le travail d’Erin – prestations et encadrement – se veut aussi inclusif que possible, tant pour le public, ses collaborateurs que ses élèves. Elle vise la diversité et met en valeur l’inclusion et l’accessibilité dans les arts.

Collaborateurs à la prestation d’Erin : Joel Baker – création et mise en scène Jessica Watkin – dramaturgie, handicap artistique James Buffon – musique originale Michele Frances – encadrement, corde de manœuvre, et chorégraphie Angi Geer – conception des costumes Kathleen Ruck – soutien

Rosina Kazi et Nicholas Murray forment LAL. Ce duo bajan-bengali est actif sur la scène musicale underground DIY au Canada depuis plusieurs décennies. Rosina et Nicholas se sont d’abord produits sur scène en hip-hop et création parlée, chacun de son côté, puis se sont unis, dans la vie comme en musique, liés par leur idéal commun de mettre la musique électronique au service de la collectivité.

Puisant aux racines transcendantes et transgressives de la musique house et électronique, LAL explore l’avenir dans chacun de ses albums. Comme tous les avenirs sont possibles, sa musique peut nous servir de guide. De délicates mélodies s’allient ainsi aux pulsations de la basse pour former une sorte de pont de singe au-dessus d’un terrifiant précipice. On peut soit plonger, tête baissée, dans le gouffre, soit avancer sur le pont, malgré l’instabilité, pour rejoindre un lointain autre côté. Mort heureuse de la certitude ou inconfort menant à un avenir bâti sur la vulnérabilité, la magie, la générosité et la rage tendre?

Rêvant du paradis, LAL œuvre de pied ferme à faire de demain la réalité d’aujourd’hui. Il y a 10 ans déjà, le duo fondait Unit 2, centre communautaire et salle de spectacle, afin que les artistes et communautés marginalisés puissent se développer et tisser des liens au-delà des limites sociales. Avec Noor et Out The Window, ses créations théâtrales récentes, LAL donne vie à ses aspirations et se rapproche de l’œuvre d’art totale. En outre, Murray et Kazi sont fréquemment sollicités pour présenter des conférences et faire connaître leurs idées concernant la musique, les arts et la justice sociale. LAL offre sa réponse à une question d’actualité.

Landon Krentz est un artiste profondément sourd des deux oreilles, entièrement bilingue en langue des signes américaine (ASL) et en anglais. En tant qu’artiste sourd, il apporte une perspective unique à ses rôles de directeur de langue de signes artistique et interprète ASL de théâtre. Son travail lui a permis d’être un porte-parole pour les artistes au sein d’une plus vaste communauté afin que la surdité soit perçue comme un reflet de la diversité et de la culture, et lui a valu un Award of Merit for Inclusion and Access du Western Institute of Deaf and Hard of Hearing en 2018.

Née en Saskatchewan d’une mère algonquine et d’un père immigrant irlandais, Yvette Nolan sort diplômée de l’Université du Manitoba en 1997. Elle sait manier la plume : elle a écrit les pièces de théâtre BLADE, Job’s Wife, Annie Mae’s Movement, The Birds : a modern adaptation of Aristophanes’ comedy et The Unplugging. Elle n’est pas en reste en matière de mise en scène : elle a dirigé de nombreux spectacles au Gwaandak Theatre, au Gordon Tootoosis Nīkānīwin Theatre, au Signal Theatre, au Globe Theatre ou au Western Canada Theatre. Directrice artistique du Native Earth Performing Arts de 2003 à 2011, elle a consacré un livre au théâtre autochtone au Canada, Medicine Shows : Indigenous Performance Culture, et fait partie des artistes associés du Signal Theatre. Elle vit à Toronto. 

Deborah Pearson est basée à Londres, au Royaume-Uni. Son travail de performance se situe à l’intersection de plusieurs contextes qui englobent l’écriture de pièces de théâtre, la mise en scène, les arts vivants et les arts visuels. Son travail a été mis en scène dans plus de vingt pays sur cinq continents et traduit dans plus de six langues. Elle détient un doctorat sur les préoccupations narratives dans la performance contemporaine de Royal Holloway, où elle a été boursière Reid. Elle est fondatrice et codirectrice du collectif de curation Forest Fringe, basé au Royaume-Uni.

José Rivera (alias Proxemia) est un artiste, designer et éducateur avec une formation d’architecte qui étudie les intersections des aspects sensuels et spatiaux de l’expérience. Travaillant sur les nombreuses façons dont nous pouvons cultiver la présence, ses intérêts vont de l’art de la radio et de la transmission aux écologies de la libération, aux études sur les OVNIS et la diaspora, à la psychonautique et à l’exploration de l’identité portoricaine. Sa pratique s’exprime souvent à travers la musique électroacoustique et les œuvres sonores expérimentales placées, les ­installations et les prestations multicanaux, la ­conception sonore pour le cinéma, la cartographie et le design graphique. Ses œuvres ont été exposées dans le monde entier, notamment au deCordova Sculpture Park and Museum, à la Biennale d’architecture de Venise 2018, au Goethe-Institut de Boston, à l’ICA de Boston et aux studios du MASS MoCA. Outre de nombreuses collaborations, l’œuvre fluide de José comprend également la conception et la construction d’un ­espace de représentation en plein air ­pour un groupe de jeunes danseurs et batteurs dans les zones rurales du Ghana.

Le travail de Matt Rogalsky dans le domaine des arts sonores comprend des prestations de musique électronique en direct, des installations sonores et multimédias, et des études/recréations de musique électronique en direct de la fin du XX^e siècle par David Tudor et d’autres compositeurs. Sa révision (avec John Driscoll et Phil Edelstein) de l’installation Rainforest de Tudor et de son groupe Composers Inside Electronics a été acquise en 2017 par le Musée d’art moderne de New York pour sa collection permanente, et est actuellement exposée dans le MoMA récemment réaménagé. Parmi les autres travaux en cours, citons le développement d’une pièce de danse en collaboration avec la chorégraphe Ahalya Satkunaratnam, basée à Vancouver, et une recherche collaborative avec la géographe Laura J Cameron, qui se concentre sur le paysage sonore, les pratiques d’écoute, ainsi que la vie et le travail du premier enregistreur de terrain canadien William WH Gunn. Le projet Gunn a donné lieu à plusieurs travaux de recherche-création : les installations sonores extérieures Octet (2016) et Into the Middle of Things (2017, avec LJ Cameron), et l’œuvre de concert Revisitation G (2018) utilisent les enregistrements historiques de terrain de Gunn pour explorer sa pratique. La remastérisation ambiophonique de l’album A Day In Algonquin Park, un classique monophonique de Gunn, a récemment été présenté à la station de recherche sur la faune sauvage du parc, dont Gunn était autrefois le directeur, à l’occasion de son 75^e anniversaire. Rogalsky enseigne à l’université Queen’s de Kingston, en Ontario, où il dirige le Sonic Arts Studio de la Dan School of Drama and Music. Photo par Tim Forbes.

Présente de façon constante dans le monde sonore canadien, Debashis Sinha a réalisé des projets d’art radiophonique, d’art sonore, de théâtre, de danse et de musique au Canada et à l’étranger. Lauréat de deux prix Dora Mavor Moore pour la meilleure conception sonore originale, il a notamment travaillé avec le festival Stratford, Soulpepper Theatre, le festival Shaw, Why Not Theatre, The Barbican Centre, Peggy Baker Dance Projects, The Theatre Centre, Nightwood Theatre, YPT, Theatre Passe Muraille, Project Humanity, Volcano Theatre et Necessary Angel, entre autres. Sa pratique du son en direct sur la scène de concert a mené à des apparitions dans des festivals d’art sonore et de musique électronique dans le monde entier.

Les recherches de la D^re Tilley sont à la fois critiques et créatives, avec un intérêt marqué pour les relations entre les textes culturels et le changement social. Elle mène des recherches sur le théâtre, les prestations, la littérature, les médias et la communication publique en tant que textes culturels. Ses recherches critiques portent sur l’éthique et la justice sociale, en explorant la manière dont la race, le sexe et l’inégalité sont représentés, intégrés et remis en question dans les histoires que racontent les artistes, les communautés et les organismes. Elle mène également des recherches sur la pédagogie de l’activisme créatif. Sa recherche créative prend ces idées et les applique à l’écriture de pièces de théâtre, à la réalisation de prestations, à la narration de récits communautaires et à d’autres formes d’activisme créatif appliqué. Elspeth a été récompensée pour ses recherches critiques et ses écrits dramatiques.

Metteure en scène, directrice artistique, directrice de festival, dramaturge, enseignante et comédienne qui a travaillé dans tout le pays, Mary Vingoe est célèbre pour avoir cofondé quatre grandes compagnies au Canada. Elle est la directrice artistique fondatrice du Magnetic North Theatre Festival au Centre national des Arts du Canada à Ottawa, cofondatrice et ancienne directrice artistique du Nightwood Theatre de Toronto, cofondatrice et ancienne codirectrice artistique de Ship’s Co. Theatre à Parrsboro, en Nouvelle-Écosse, et cofondatrice et ancienne directrice artistique de Eastern Front Theatre à Halifax. Vingoe a dirigé et enseigné dans des théâtres et des universités à travers le pays, notamment au Centre national des Arts du Canada, au Tarragon Theatre, au Royal Manitoba Theatre Centre, à l’École nationale de théâtre et au Neptune Theatre. Elle est également une dramaturge canadienne de renom. Sa pièce Refuge, publiée en 2013 par Scirocco Press, a été finaliste pour le Nova Scotia Masterworks Award et a été présélectionnée pour le Prix du Gouverneur général pour l’art dramatique de 2016. Sa nouvelle pièce Some Blow Flutes a été finaliste pour la meilleure nouvelle pièce aux Merritt Awards en 2019. Some Blow Flutes est publiée par Scirocco Press.

Mary Vingoe a reçu de nombreux prix, notamment le prix Portia White de la Nouvelle-Écosse pour son excellence artistique. En 2011, Mary Vingoe a été nommée Officier de l’Ordre du Canada pour sa contribution au théâtre canadien.

Laura est codirectrice artistique de Keep Good Theatre Company. Elle a récemment mis en scène Love and Information (The Fountain School of Performing Arts), The Children (Keep Good Theatre Company), Miss N Me (Eastern Front Theatre), Interactions with Art (Halifax Theatre for Young People), Time of Trouble (Opera Nova Scotia) et Constellations (Keep Good Theatre Company). Elle a également passé un an au Festival de Stratford où elle a travaillé comme assistante à la mise en scène sous la direction de Nigel Shawn Williams et comme membre de l’atelier de mise en scène classique de Michael Langham. En 2015, elle a obtenu une maîtrise en mise en scène du Conservatoire royal d’Écosse à Glasgow.

Adrienne Wong est directrice artistique de SpiderWebShow Performance, une compagnie qui remet en question l’impact de la rupture numérique à travers l’art. Elle codirige le Festival of Live Digital Art (FOLDA) avec Michael Wheeler et Sarah Garton Stanley. Le travail d’Adrienne se situe à la croisée des espaces théâtraux et numériques. Elle s’intéresse particulièrement au développement de nouvelles œuvres et à l’utilisation du théâtre et de l’engagement comme stratégie pour promouvoir un changement progressif. Elle a été l’artiste en résidence inaugurale de q. Landline de CBC Radio (co-créé avec Dustin Harvey), qui a fait l’objet d’une tournée nationale et internationale en français et en anglais. Me On The Map (co-créé avec JD Derbyshire) continue d’être adapté pour les jeunes créateurs citoyens.

Les quelque douze pièces de Marcus - dont la plupart traitent de questions de culture, de différence et d’altérité - ont été jouées dans des dizaines de théâtres et de festivals en Amérique du Nord, en Asie et en Europe, de Seattle à New York, en passant par Hong Kong, Reykjavik et Berlin. Marcus a reçu, entre autres, le prix Siminovitch pour le théâtre, le Vancouver Mayor’s Arts Award, le prix Ikarus de Berlin, en Allemagne et le Rio-Tinto Alcan Performing Arts Award. Il est actuellement artiste senior au Neworld Theatre de Vancouver (qu’il a dirigé de 2005 à 2019), artiste associé international chez Farnham Maltings au Royaume-Uni, et dramaturge en résidence au Tarragon Theatre de Toronto.

Actuellement directrice de la Broadway Green Alliance, Molly Braverman a auparavant été directrice administrative du Theatre Horizon, une compagnie de théâtre professionnelle sans but lucratif de Norristown (PA). Elle a aussi été régisseuse pour des spectacles présentés sur Broadway et en tournées nationales et régionales; elle a ainsi passé trois ans à sillonner les routes des États-Unis avec Wicked en tournée nationale, tout en agissant à titre de régisseuse remplaçante pour Wicked et Hamilton. Diplômée de l’Université Columbia, elle a fondé la Philadelphia Green Theatre Alliance, un chapitre régional de la Broadway Green Alliance.

Derek Chan a grandi à Hong Kong et étudié en Norvège. Titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts (interprétation théâtrale) de l’Université Simon Fraser, il réside actuellement à Vancouver. Dramaturge, metteur en scène, interprète, traducteur et producteur, Chan est co-directeur artistique du rice & beans theatre depuis 2010. Il a aussi œuvré au Playwrights Theatre Centre (stagiaire en direction artistique), au Vancouver Asian Canadian Theatre (producteur artistique associé) et au festival rEvolver (commissaire invité). Il a participé au Banff Playwrights Lab 2020, et consacre sa résidence au Théâtre anglais du CNA (2019–2020) à yellow objects, pièce de théâtre traitant des manifestations qui se déroulent à Hong Kong contre un projet de loi facilitant l’extradition vers la Chine.

Le poste d’artiste en résidence au Théâtre anglais du CNA est rendu possible grâce au soutien du Conseil des arts du Canada.

Frank Donato est un concepteur de vidéo et d’éclairage né à Ottawa et y résidant toujours. Dans sa pratique artistique constamment en évolution, il explore la rencontre des médias numériques et des prestations en direct.

Il a notamment œuvré à Daisy (GCTC, Ottawa); Notes of Hope (ICOT, Toronto); The Revolutions (SpiderWebShow, Kingston); et Plucked (Summerworks, Toronto). Si Frank développe ses conceptions en solo, il collabore aussi avec collègues et mentors du Festival de Stratford, du Festival Luminato ou de la Compagnie d’opéra canadienne. Il est diplômé de l’École nationale de théâtre (production).

Comédienne (jeu est axé sur le mouvement), créatrice d’œuvres collectives et artiste-enseignante, Tracey Guptil a récemment étudié auprès de Philippe Gaulier en France. Parmi ses cocréations présentées à Kingston, notons Our House, Ambrose et Anybody Can be Pussy Riot, ainsi que le film LIVE in Kingston et When I Get There (un mémoire de maîtrise/prestation sur la capacité d’agir, l’activisme et la justice environnementale). Cofondatrice de anARC Theatre, de son laboratoire de création et des Kingston Stilters, elle possède une ferme dans les Mille-Îles et se réjouit de poursuivre sa collaboration avec le Festival of Live Digital Art après avoir fait plusieurs rencontres passionnantes l’an dernier à titre d’agente de liaison artistique.

Stewart Legere est un artiste multidisciplinaire de Halifax/ Kjipuktuk. Il est codirecteur artistique du groupe The Accidental Mechanics et directeur artistique associé de Zuppa Theatre Co. Ses spectacles ont été présentés dans des théâtres et des festivals au Canada et au Royaume-Uni. Il est chanteur au sein de la formation pop orchestrale The Heavy Blinkers, et auteur-compositeur-interprète solo. Il compose des musiques et des sons pour le théâtre et le cinéma. Collaborateur passionné, son travail est fasciné par la sexualité, la vulnérabilité, l’intimité, la destruction de la personnalité et la célébration de la prestation. Il est présentement artiste en résidence au Theatre Centre de Toronto.

Artiste de théâtre, metteur·e en scène et marionnettiste originaire de Winnipeg, Murdoch Schon évolue sur la scène du théâtre anglophone montréalais depuis près d’une décennie, et a fondé Revolution They Wrote, un festival féministe d’œuvres scéniques brèves.

Diplômé·e de l’École nationale de théâtre (mise en scène) et titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts (théâtre et création) de l’Université Concordia, Murdoch Schon est fasciné·e par la provocation, la vulnérabilité ainsi que le rôle du risque et de l’échec dans la création artistique.

Metteur·e en scène et créateur·trice d’œuvres collectives né·e sur le territoire du Traité 1 (Winnipeg, Man.), Angelica Schwartz y a fondé la compagnie d’art de la scène happy/accidents. Récemment diplômé·e de l’École nationale de théâtre (mise en scène), l’artiste réside actuellement à Tiohtiá:ke (Montréal). Mettant à profit sa formation en production technique et sa passion pour l’art du récit, Angelica se consacre à la création de liens authentiques entre interprètes et spectateurs.

Transcendant les distances grâce aux plateformes numériques ou créant des expériences théâtrales intimes en direct, Angelica Schwartz a pour mission de renforcer l’esprit de communauté en cette ère numérique. Voyez sa création HAVEN présentée dans le cadre du Festival of Live Digital Art.

Chantal Bilodeau est une dramaturge et traductrice dont le travail est axé sur le point de rencontre entre la science, les politiques, l’art, et le changement climatique.Elle est la directrice artistique de The Arctic Cycle – un organisme qui cherche à promouvoir le dialogue autour de notre crise climatique mondiale, créer une vision stimulante de l’avenir, et encourager les gens à passer à l’action. Elle est également la fondatrice de la plateforme numérique Artists and Climate Change et cofondatrice de Climate Change Theatre Action, une série internationale de mise en lectures et de représentations de pièces sur le changement climatique qui coïncident avec les conférences des Nations Unies sur le changement climatique. Elle travaille présentement sur une série de huit pièces qui examinent les changements sociaux et environnementaux en cours dans les huit États arctiques.   

Chantal a reçu le Woodward International Playwriting Prize, ainsi que le premier prix dans le cadre du Earth Matters on Stage Ecodrama Festival et de la Uprising National Playwriting Competition.Parmi ses traductions, on compte plus de 20 pièces des auteurs contemporains Sébastien David (Québec), Mohamed Kacimi (Algérie), Koffi Kwahulé (Côte d’Ivoire), Catherine Léger (Québec), Étienne Lepage (Québec), David Paquet (Québec), et Larry Tremblay (Québec).Ses pièces ont été présentées dans plus d’une vingtaine de pays à travers le monde.  

Sarah, alias SGS, est vice-présidente de la programmation d’Arts Commons à Calgary et codirectrice du légendaire Birchdale. Elle a également été productrice artistique du Fonds national de création du CNA. Dans le cadre de son doctorat en études culturelles à l’Université Queen’s, elle a créé Massey & Me: Conversations at the End of Theatre, une série de cinq événements de réflexion faisant référence aux conférences CBC Massey. Dans le cadre de cette réflexion critique, SGS explore les structures généalogiques, politiques et administratives qui régissent le théâtre professionnel au Canada.

SGS a cofondé le SpiderWebShow, le Festival of Live Digital Art  (FOLDA) et le Baby Grand Theatre, en plus d’avoir été la première directrice artistique du Buddies in Bad Times et la première collaboratrice artistique du Festival de théâtre Magnetic North.

En 2022, elle a été nommée boursière Arne Bengt Johansson du Banff Forum, avant d’y retourner l’année suivante. Depuis peu, elle siège au conseil d’administration de l’Alberta Theatre et au Comité consultatif national du Fonds national de création du CNA, et fait partie du projet pilote de consultation en leadership du Buddies in Bad Times Theatre.

SGS a coécrit Manifesto for Now avec Owais Lightwala.

Sophie Traub est une artiste de scène, intellectuelle et organisatrice artistique pour The School of Making Thinking.Au cours des deux dernières années, elle a eu le privilège d’être assistante à la recherche et production pour Climate Change Theatre Action, le Groundworks Performance Project avec DancingEarth, The Center for Sustainable Practice in the Arts, et le projet Storytrails de Swim Pony.

Son travail de recherche et de performance est axé sur les dynamiques de groupe et les études de conflits, l’anti-oppression, l’équité et les pratiques durables dans les arts. En tant qu’artiste de la performance, Sophie a présenté des œuvres au DUMBO Arts Festival, à Dixon Place, au White Rabbit Festival, à la Norman Felix Gallery, au Artscape Gibralter Point, à la Microscope Gallery, au Medicine Show Theater, et à The Last Weekend Arts Festival.

Au cinéma et au petit écran, on la retrouve impliquée dans Madeline’s Madeline (Decker), Thou Wast Mild and Lovely (Decker), Easy (Netflix, Swanberg), Fugue (Torres-Torres), Mother’s Day (Netflix, Adina Smith), Bite Radius (Parsons), Tenderness (Polson), et The Interpreter (Pollack).

Au théâtre, elle est impliquée comme comédienne, conceptrice ou metteure en scène dans This Is How I Don't Know How To Dance (SITI Company/Barrow Street Theatre), Won't Be a Ghost (Prelude 2014, Dixon Place 2015, The Brick 2016), The Beach Eagle (Dixon Place 2013), et Asterion (Schafer 2013).

Sophie a étudié au Neighborhood Playhouse, au HB Studio, au Studio 303, à Stonestreet Studios, au SITI Company Conservatory, NYU, et en décembre 2018 elle a terminé sa maîtrise en Theatre à l’université York de Toronto.

Ian Garrett est professeur associé de Ecological Design for Performance à l’Université York; directeur du Center for Sustainable Practice in the Arts; et réalisateur pour la compagnie de production de réalité mixte Toasterlab.Il mène une pratique de design axée sur l’écologie, la technologie et la scénographie, et travaille présentement avec Rulan Tangen sur Groundworks, examinant les terres autochtones dans le nord de la Californie par l’entremise de collaborations avec des artistes des communautés Pomo, Wappo, et Ohlone. Il collabore également avec Swim Pony Performing Arts à Philadelphie sur Story Trails, portant sur les sentiers dans les bassins versants de Philadelphie à travers d’audio immersive géolocalisée. Parmi ses autres projets, on retrouve le projet de réalité mixte géolocalisé Transmission(FuturePlay/Edinburgh et Future of Storytelling Festival/New York), le décor et les systèmes énergétiques pour Vox:Lumende Zata Omm au Centre Harbourfront et Ascension ipde Crimson Collective, une grue solaire de 150’ de largeur à Coachella. Avec Chantal Bilodeau, il co-dirige the Climate Change Theatre Action. Il a notamment signé Arts, the Environment, and Sustainability pour Americans for the Arts; The Carbon Footprint of Theatrical Production pour Readings in Performance and Ecology, et Theatre is No Place for a Plant pour Landing Stages from the Ashden Directory. Il est membre du conseil d’administration d’Associated Designers of Canada.

Sonali McDermid est professeure adjointe en études de l’environnement à l’Université de New York (NYU). Ses travaux de recherche sont axés sur l’influence de l’utilisation des terres agricoles sur nos environnements régionaux et notre climat. Elle applique différentes méthodes, dont la modélisation du système terrestre, la modélisation des cultures, et les ensembles de données d’observation.Elle mène aussi des évaluations à grande échelle portant sur l’impact du changement climatique sur la sécurité alimentaire et les moyens de subsistance en Asie du Sud et en Afrique subsaharienne, et elle a œuvré comme codirigeante pour le climat de l’Agricultural Intercomparison and Improvement Project, un projet international de modélisation comparée des cultures.Son travail vise à cerner et contextualiser le rôle de la préservation environnementale dans la sécurité alimentaire et nutritionnelle, en cherchant à répondre à la question suivante : En quoi consiste concrètement une agriculture responsable et durable, et comment pouvons-nous réduire notre impact sur l’environnement tout en assurant un approvisionnement en denrées alimentaires nutritives pour tous?  

Sonali est titulaire d’un doctorat (2012) du département des sciences de la terre et de l’environnement de l’Université Columbia, spécialisé en sciences atmosphériques et en climatologie.Elle détient aussi un baccalauréat en physique de NYU (2006).Avant d’enseigner à NYU, elle a obtenu une bourse postdoctorale au Goddard Institute for Space Studies (GISS) de la NASA à New York. En dehors de ses travaux universitaires, elle milite pour l’équité dans le champ de la recherche scientifique, et pour l’adoption de politiques et de prises de décision fondées sur des faits vérifiables.

Clayton Thomas-Müller est membre de la Nation Crie Mathias Colomb, fondée sur le Traité no 6, aussi connue sous le nom de Pukatawagan, établie dans le nord du Manitoba, au Canada.Domicilié à Winnipeg, au Manitoba, Clayton est le responsable de la campagne Stop it at the Sourcede l’organisme 350.org.

Clayton est engagé dans de nombreuses initiatives visant à bâtir un mouvement planétaire inclusif en faveur de la justice énergétique et climatique.Il est membre des conseils d’administration de Bioneers, de la Black Mesa Water Coalition de la Nation Navajo, d’Indigenous Climate Action et du Wildfire Project.

Il figure dans la liste d’Utne Magazinedes 30 activistes de moins de 30 ans les plus influents des États-Unis, a été désigné « héros climatique » par Yes Magazine, et a été retenu au nombre de dix défenseurs des droits humains dans le monde auxquels le Musée canadien pour les droits de la personne a choisi de rendre hommage. Il a fait campagne partout au Canada, en Alaska et dans les 48 États au sud de la frontière, organisant dans des centaines de collectivités des Premières Nations, des Autochtones de l’Alaska et des communautés autochtones des États-Unis l’appui aux Peuples autochtones qui défendent leurs territoires contre l’empiètement de l’industrie des combustibles fossiles, en particulier des sables bitumineux canadiens et des pipelines qui y sont associés.

Clayton est un producteur de contenus médiatiques, organisateur, animateur, conférencier et auteur qui s’exprime sur les droits des Autochtones, et sur la justice environnementale et économique.

Tarah Wright est professeur de sciences environnementales à l’université de Dalhousie. Ses recherches ont principalement porté sur le domaine émergent de l’éducation au développement durable (EDD) et elle a publié de nombreux articles couvrant un large éventail de questions liées à la durabilité dans l’enseignement supérieur (DES). Plus récemment, Tarah a commencé un programme de recherche qui étudie les différents rôles que les arts peuvent jouer en influençant les normes culturelles, en encourageant un comportement pro-environnemental et en fournissant des moteurs pour la création d’un avenir durable. Tarah et sa famille habitent la ville de Halifax, le territoire ancestral et non cédé du peuple Mi'kmaq, dans la biorégion de la forêt acadienne, au bord de l’océan Atlantique.

« J’ai eu la chance d’œuvrer à des projets de toute taille, allant de Fringe aux salles les plus prestigieuses, en passant par une tournée de Theatre for a Young Audience où on se produisait pieds nus sur scène! J’ai connu des spectacles épuisants pour lesquels je devais rapporter la lessive chez moi, à vélo, à 1 h du matin, mais aussi des spectacles magiques qu’on voudrait voir durer toujours. À travers toutes ces expériences, même quand je me disais que ce boulot ne pourrait être plus étrange ou exténuant, je n’ai jamais cessé d’apprendre, de me développer ou d’aimer ce métier! Je suis heureuse de faire partie de la mouvance actuelle du théâtre un peu marginal qui tente de faire de la création un élément de la vie de tout un chacun – même si cela veut dire faire ce travail en direct de mon sofa. »

Diplômée de l’École nationale de théâtre et de l’Université Queen’s, Meghan Froebelius est régisseuse dans l’âme (Festival Shaw, Thousand Island Payhouse, Canadian Stage, Centaur Theatre, notamment).

Christo Graham est musicien, acteur et graphiste. Il a enregistré et fait paraître sept albums autoproduits, a tourné partout au Canada, et a conçu des affiches et du matériel promotionnel pour plus de 50 productions théâtrales. Il a composé, produit et interprété la musique et la voix d’Angel Catbird de Margaret Atwood, et a été finaliste aux META pour son interprétation de Jerry Lee Lewis dans Million Dollar Quartet. Il enregistre présentement un opéra rock intitulé Clown Riot et son dernier album Turnin' devrait paraître en vinyle le 6 novembre 2020.

Martin Jones est diplômé de l’Ontario College of Art & Design University, avec une spécialisation en cinéma et vidéo. Il dirige le projet Hexagon au Centre national des Arts depuis dix-sept ans. Il s’est concentré sur l’utilisation de la technologie pour mettre les arts du spectacle à la portée de tous les Canadiens. Il a ainsi mis en place un enseignement à distance des arts du spectacle par vidéoconférence, des séries de baladodiffusions couvrant les disciplines artistiques pratiquées au Centre national des arts, des vidéos web de documentaires et d’entretiens avec des artistes de scène, et des vidéos en direct des arts de la scène.

Jesse MacMillan est directeur technique du Festival of Live Digital Arts (FOLDA) et technicien de scène au Isabel Bader Centre for the Performing Arts à Kingston, en Ontario. Jesse enseigne présentement un cours de diffusion en direct à l’École nationale de théâtre et travaille comme directeur vidéo pour Ottawa Chamberfest. Au cours des derniers mois, Jesse a été directeur de la diffusion vidéo du concours de violoncelle Bader Overton et de la série Ballytobin Live from the Isabel l’été dernier, ainsi que directeur technique du concours national de musique Eckhardt-Gramatté dans sa version en ligne en octobre dernier.

Vijay Mathew (lui/il) est le stratège culturel et cofondateur de HowlRound Theatre Commons, basé au Emerson College, Boston, USA. Il a le privilège d’aider une équipe talentueuse en dirigeant le développement de HowlRound, de ses plateformes de partage de connaissances en ligne axées sur le bien commun et des notions d’innovation culturelle de l’organisme. Avant d’occuper son poste actuel, il a été le coordonnateur du programme de développement de nouvelles pièces de théâtre de National Endowment for the Arts (USA), ainsi que le bénéficiaire d’une subvention du Theater Communication Group (USA) New Generations Future Leader pour de nouvelles œuvres à l’Arena Stage de Washington. Vijay est titulaire d’une maîtrise de New School University de New York, d’un baccalauréat de l’Université de Chicago et d’une formation artistique en tant que cinéaste et metteur en scène de théâtre. Il est membre du conseil d’administration de Double Edge Theatre situé à Ashfield, Massachusetts, aux États-Unis.

Mieko travaille comme comédienne, autrice, metteure en scène et dramaturge, et est cofondatrice et directrice artistique de Concrete Theatre et artiste associée à Citadel. Ses pièces sont jouées au Canada et à l’étranger et ont été récompensées par un prix Carol Bolt, deux prix Betty et une nomination au Prix du Gouverneur général, ainsi que traduites en six langues. Parmi ses prochaines mises en scène, citons A Brimful of Asha pour Citadel, une tournée nationale de Songs My Mother Never Sung Me pour Concrete Theatre et la première de sa nouvelle pièce Burning Mom pour le Royal Manitoba Theatre Centre.