Florence B. Price
Andante moderato
Schubert
Symphony No. 8 in B minor, “Unfinished”
IGOR STRAVINSKY
Suite from The Firebird (1919)
NACO Live returns for a final concert of the season! The concert opens with a gorgeous work for strings by Florence Price, followed by Schubert’s famous “Unfinished” symphony. The two completed movements have long delighted audiences with their strangeness, surprise, and most of all their memorable melodies. Stravinsky’s incandescent Firebird Suite (1919) closes the program. Originally music for ballet, this tale of Russian folklore centres around the beautiful Firebird and weaves an exciting piece of orchestral music that allows the incredible artistry of our musicians to shine!
Programme Notes
Florence Price’s Andante Moderato is the second movement of her first String Quartet. Completed in 1929, the piece shows Price fusing music of her Black heritage with the formal structures and harmonic techniques of European art music. This movement opens with a warm melody clearly inspired by African American spirituals, richly harmonized. A moody, blues-inflected theme in the minor mode follows. A playful dance appears at the movement’s centre, after which the minor mode tune returns, before closing with the spiritual material.
An aura of mystery has long surrounded the history of Franz Schubert’s B Minor Symphony. In 1822, he finished the first two movements, after which it remains unclear whether he considered the work complete as is, or abandoned a plan for a four-movement work (existing sketches for a Scherzo third movement suggest the latter). The two movements were eventually premiered in Vienna in 1865, 37 years after the composer’s death, and has endured since, in this “unfinished” form, as one of Schubert’s orchestral masterpieces.
In the first movement, Schubert juxtaposes, to extreme contrast, two emotional “realms”: the anguished B minor one of the murky first theme and its anxious continuation, and the sunny G major one with a soaring cello theme. In the middle, a climax of unprecedented pathos is reached. The second movement begins with an ethereal E major section featuring an exquisitely tender theme. It alternates with a haunting clarinet and oboe melody accompanied by gently pulsating violins and violas. This delicate atmosphere is later broken by powerful full-orchestra eruptions, which subside before returning to the opening mood.
Igor Stravinsky’s 1919 Suite from The Firebird is based on his score to the ballet that caused a huge sensation at its 1910 premiere in Paris. The music follows a Russian fairy tale about rebirth and renewal: a splendid firebird is summoned by the Prince Ivan Tsarevich to help save the men and women (including his beloved) who are being held captive under the enchantments of the evil monster King Kaschey. To distinguish the fantasy world of Kaschey and the firebird from the humanity of the Prince and his beloved, Stravinsky masterfully uses chromaticism and spicy dissonances to evoke the former, while the latter is characterized by diatonic harmony and Russian folksong (two tunes appear in the Princesses’ Round Dance, a third in the Finale). Compared to the original score, the 1919 Suite uses a reduced instrumentation, but the composer’s brilliant orchestration skills are still evident, indeed, put front and centre, as are the orchestra’s musicians, in this dramatic concert hall version.
Programme notes by Dr. Hannah Chan-Hartley
NOTE: This performance will take place according to Ontario public health regulations step 2 guidelines.
The NAC Foundation is deeply grateful for the support of the Hon. Hilary M. Weston and the late Mr. W. Galen Weston on behalf of The Hilary and Galen Weston Foundation.
Since its debut in 1969, the National Arts Centre Orchestra has been praised for the passion and clarity of its performances, its visionary educational programs, and its prominent role in nurturing Canadian creativity. Under the leadership of Music Director Alexander Shelley, the Orchestra performs a full series of subscription concerts at the National Arts Centre each season, featuring world-class artists such as James Ehnes, Angela Hewitt, Joshua Bell, Xian Zhang, Gabriela Montero, Stewart Goodyear, Jan Lisiecki, and Principal Guest Conductor John Storgårds.
Alexander Shelley began his tenure as Music Director in 2015, following Pinchas Zukerman’s 16 seasons at the helm. Principal Associate Conductor of the Royal Philharmonic Orchestra, and former Chief Conductor of the Nuremberg Symphony Orchestra (2009 - 2017), he has been in demand around the world, conducting the Rotterdam Philharmonic, DSO Berlin, Leipzig Gewandhaus, and Stockholm Philharmonic, among others, and maintains a regular relationship with the Deutsche Kammerphilharmonie and the German National Youth Orchestra.
National and international tours have been a hallmark of the National Arts Centre Orchestra from the very beginning. The Orchestra has toured 95 times since its inauguration in 1969, visiting 120 cities in Canada, as well as 20 countries and 138 cities internationally. In recent years, the orchestra has undertaken performance and education tours across Canada, as well as the U.K. and China. In 2019, the Orchestra marked its 50th anniversary with a seven-city European tour that included performances and education events in England, France, the Netherlands, Denmark and Sweden, and that showcased the work of six Canadian composers.
The NAC Orchestra has recorded many of the more than 80 new works commissioned since its inception, for radio and on over 40 commercial recordings. These include Angela Hewitt’s 2015 JUNO Award-winning album of Mozart Piano Concertos; the groundbreaking Life Reflected, which includes My Name is Amanda Todd by Jocelyn Morlock, winner of the 2018 JUNO for Classical Composition of the Year; and from the 2019 JUNO nominated New Worlds, Ana Sokolović’s Golden Slumbers Kiss Your Eyes, 2019 JUNO Winner for Classical Composition of the Year.
The NAC Orchestra reaches a national and international audience through touring, recordings, and extensive educational outreach. The Orchestra performed on Parliament Hill for the 2019 Canada Day noon concert in a live broadcast for CBC Television.
Depuis sa création en 1969, l’Orchestre du CNA reçoit des éloges pour la passion et la clarté de ses interprétations, pour ses programmes éducatifs novateurs et pour son apport à l’expression de la créativité canadienne. Sous la direction du Directeur musical Alexander Shelley, l’ensemble propose chaque saison une série complète de concerts d’abonnement au Centre national des Arts qui mettent en vedette des artistes de réputation internationale, tels James Ehnes, Angela Hewitt, Joshua Bell, Xian Zhang, Gabriela Montero, Stewart Goodyear, Jan Lisiecki et le premier chef invité John Storgårds.
Alexander Shelley a amorcé son mandat à la direction musicale de l’Orchestre du CNA en 2015, succédant à Pinchas Zukerman, qui a été aux commandes de l’ensemble pendant 16 saisons. Premier chef associé du Royal Philharmonic Orchestra, Shelley a été le premier chef de l’Orchestre symphonique de Nuremberg de 2009 à 2017. Demandé partout dans le monde, il a dirigé entre autres la Philharmonie de Rotterdam, DSO Berlin, le Leipzig Gewandhaus et la Philharmonie de Stockholm, et il maintient des liens avec la Deutsche Kammerphilharmonie et l’Orchestre national des jeunes d’Allemagne.
Les tournées nationales et internationales sont depuis toujours une caractéristique distinctive de l’Orchestre du CNA. L’ensemble a fait 95 tournées depuis sa création, ce qui comprend des arrêts dans 120 villes canadiennes, 20 pays et 138 villes du monde. Au cours des dernières années, l’Orchestre a effectué des tournées de concerts et d’activités éducatives au Canada, au Royaume-Uni et en Chine. En 2019, il a célébré son 50e anniversaire par une tournée européenne de sept villes en Angleterre, en France, aux Pays-Bas, au Danemark et en Suède, où il a mis en valeur le travail de six compositeurs canadiens et offert une série de concerts et d’activités éducatives.
Depuis son inauguration, l’Orchestre du CNA a commandé plus de 80 nouvelles œuvres, la plupart à des compositeurs canadiens. L’Orchestre a enregistré pour la radio plusieurs de ses 80 œuvres de commande, et en a diffusé plus d’une quarantaine à des fins commerciales. Parmi celles-ci, citons le disque des concertos pour piano de Mozart enregistré avec Angela Hewitt et primé aux JUNO en 2015, l’œuvre révolutionnaire Réflexions sur la vie, qui comprend la pièce My Name is Amanda Todd de Jocelyn Morlock, couronnée Composition classique de l’année aux JUNO 2018, et l’album finaliste aux JUNO 2019 Nouveaux Mondes, sur lequel paraît Golden Slumbers Kiss Your Eyes… d’Ana Sokolović, lauréate du JUNO de la Composition classique de l’année (2019).Son concert-midi sur la Colline du Parlement pour la fête du Canada l’an dernier a été diffusé en direct sur les ondes de CBC.
NAC media featuring National Arts Centre Orchestra
Alexander Shelley succeeded Pinchas Zukerman as Music Director of Canada’s NAC Orchestra in September 2015. The ensemble has since been praised as being “transformed... hungry, bold, and unleashed” (Ottawa Citizen) and Shelley’s programming credited for turning the orchestra into “one of the more audacious in North America” (Maclean’s).
Shelley is a champion of Canadian creation; recent hallmarks include the multimedia projects Life Reflected and UNDISRUPTED,and three major new ballets in partnership with NAC Dance for Encount3rs. He is passionate about arts education and nurturing the next generation of musicians. He is an Ambassador for Ottawa’s OrKidstra, a charitable social development program that teaches children life skills through making music together.
Alexander Shelley is also the Principal Associate Conductor of London’s Royal Philharmonic Orchestra and, starting with the 2024–2025 season, Artistic and Music Director of Artis-Naples and the Naples Philharmonic in Florida, USA. In the spring of 2019, he led the NAC Orchestra on its critically acclaimed 50th Anniversary European tour, and in 2017, he led the Orchestra in a tour across Canada, celebrating Canada’s 150th anniversary. Most recently, he led the Orchestra in its first performance at New York’s Carnegie Hall in 30 years.
He has made eight recordings with the NAC Orchestra, including the JUNO-nominated New Worlds, Life Reflected, ENCOUNT3RS, The Bounds of Our Dreams, and the acclaimed Clara, Robert, Johannes four-album series, all with Canadian label Analekta.
The Music Director role is supported by Elinor Gill Ratcliffe, C.M., O.N.L., LL.D. (hc)
Alexander Shelley a reçu le titre de directeur musical de l’Orchestre du CNA en septembre 2015. Depuis, l’ensemble a été qualifié de « transformé », « passionné », « ambitieux » et « déchaîné » (Ottawa Citizen), et classé parmi les plus audacieux en Amérique du Nord (magazine Maclean’s) pour sa programmation.
Champion de la création au Canada, Shelley a signé récemment le projet multimédia Réflexions sur la vie, INCONDITIONNEL et RENCONTR3S, une collaboration avec Danse CNA comportant trois nouveaux ballets d’envergure.
Shelley s’attache à cultiver les talents de la relève : il est notamment un ambassadeur d’OrKidstra, un programme de développement social qui, à travers la musique, aide les jeunes d’Ottawa à acquérir des compétences essentielles.
Alexander Shelley est également premier chef d’orchestre associé du Royal Philharmonic Orchestra de Londres, et, à partir de la saison 2024-2025, directeur artistique et musical d’Artis-Naples et de l’Orchestre philharmonique de Naples en Floride (États-Unis). Il a dirigé l’Orchestre du CNA au printemps 2019 à l’occasion d’une tournée européenne très applaudie soulignant le 50e anniversaire de l’ensemble et, en 2017, dans le cadre d’une tournée aux quatre coins du Canada pour célébrer le 150e anniversaire du pays. Plus récemment, l’Orchestre a donné, sous sa baguette, son premier concert en 30 ans au Carnegie Hall de New York.
Shelley a fait paraître huit enregistrements avec l’Orchestre du CNA, dont Nouveaux Mondes (finaliste aux prix JUNO), Réflexions sur la vie, RENCONTR3S, Aux frontières de nos rêves, ainsi que la série louangée par la critique de quatre albums Clara, Robert, Johannes, tous parus sous l'étiquette canadienne Analekta.
Le poste de directeur musical bénéficie du soutien d’Elinor Gill Ratcliffe, C.M., O.N.L., LL.D. (hc).
Florence Price was an American composer, pianist, organist, and teacher. She created over 300 works, including for orchestra, various combinations of chamber ensemble, choir, voice and piano, organ, and solo piano. Her compositions often blend Euro-American art music forms with elements from her African American heritage, such as melodies that reference those of spirituals.
During her life, Price was the first African American woman to earn major recognition as a symphonic composer. However, despite her successes, she struggled to have her works widely performed, and openly acknowledged that her being a woman and a person of colour were barriers. Much of her catalogue was neglected after her death, but in recent years, new research about her life and work and the revival of her compositions in performance have begun to more fully illuminate her contributions to American music.
Price (née Smith) was born in Little Rock, Arkansas, on April 9, 1887, during a period when white supremacy was being restored in the South. Her mother was her first music teacher, who carefully nurtured her talent. Price went on to study composition at Boston’s New England Conservatory, one of the few institutions that admitted African Americans at the time. After earning diplomas in organ and piano, she returned to the South to teach and compose. In 1928, to escape growing racial oppression in Little Rock, Price and her family moved to Chicago. There, she flourished creatively; she won prizes and publication contracts for her piano pieces, penned popular songs for radio commercials, and arranged spirituals for performance. In 1931, she began writing symphonies. Her Symphony in E Minor won the Wanamaker Prize in 1932, which led to its performance by the Chicago Symphony Orchestra conducted by Frederick Stock—the first work by a Black woman composer to be performed by a major American orchestra.
The success of her E Minor symphony cemented Price’s reputation and her orchestral works were subsequently performed by ensembles such as the Chicago Symphony Orchestra, Detroit Symphony Orchestra, American Symphony Orchestra, and Pittsburgh Symphony Orchestra. Celebrated singers such as Marion Anderson and Leontyne Price interpreted her songs, and her organ and piano pieces, which she also taught, were regularly performed. Price remained active as a composer and teacher until her death in Chicago on June 9, 1953.
By Dr. Hannah Chan-Hartley
Florence B. Price (1887–1953)
Florence Price était une compositrice, pianiste, organiste et pédagogue américaine. Elle a produit un catalogue de plus de 300 pièces, dont des œuvres pour orchestre, pour différentes combinaisons d’ensembles de chambre, pour chœur, pour voix et piano, pour orgue, et pour piano seul. Ses compositions mêlent souvent les traditions musicales américano-européennes avec des éléments tirés de son héritage afro-américain, dont des mélodies qui font écho à celles de spirituals.
De son vivant, Price est devenue la première femme afro-américaine à être reconnue comme compositrice de musique symphonique. Toutefois, en dépit de ses succès d’estime, elle a peiné à faire exécuter régulièrement ses œuvres, et elle ne cachait pas le fait qu’être une femme et une Noire constituaient des obstacles majeurs. Une grande partie de son catalogue est plus ou moins tombée dans l’oubli après sa mort, mais depuis quelques années, de nouvelles recherches sur sa vie et son œuvre et un regain d’intérêt pour ses compositions dans la programmation des concerts ont commencé à éclairer sous un jour nouveau ses apports à la musique américaine.
Florence Price (née Smith) est née à Little Rock, dans l’Arkansas, le 9 avril 1887, dans une période où la suprématie blanche avait été rétablie dans les États du Sud. Sa mère fut sa première professeure de musique et cultiva son talent avec soin. Price poursuivit par la suite des études de composition au New England Conservatory de Boston, l’une des rares institutions qui acceptaient des Afro-américains à l’époque. Après avoir obtenu ses diplômes en orgue et en piano, elle retourna dans le Sud pour enseigner et composer. En 1928, pour échapper à la discrimination raciale croissante qui sévissait à Little Rock, Price et sa famille ont déménagé à Chicago. C’est dans la ville des vents que sa créativité s’est épanouie : elle a décroché des prix et des contrats d’édition pour ses pièces pour piano, écrit des chansons populaires pour les radios commerciales, et arrangé des spirituals en vue de concerts. En 1931, elle a commencé à écrire des symphonies. Sa Symphonie en mi mineur a remporté le prix de la fondation Wanamaker en 1932, et elle a subséquemment été exécutée par l’Orchestre symphonique de Chicago, sous la direction de Frederick Stock, devenant ainsi la première œuvre d’une compositrice noire jouée par un orchestre américain de premier plan.
Le succès de sa Symphonie en mi mineur a consolidé la renommée de Price, et ses œuvres pour orchestre ont par la suite été jouées par des ensembles comme l’Orchestre symphonique de Chicago, l’Orchestre symphonique de Detroit, l’American Symphony Orchestra, et l’Orchestre symphonique de Pittsburgh. Des chanteuses aussi célèbres que Marion Anderson et Leontyne Price ont interprété ses mélodies, et ses pièces pour orgue et pour piano, instruments qu’elle enseignait également, ont été jouées régulièrement. Price est demeurée active comme compositrice et enseignante jusqu’à sa mort, à Chicago, le 9 juin 1953.
During his remarkably short life, Austrian composer Franz Peter Schubert was enormously prolific, and made important contributions to vocal music (most notably, the German lied), piano music, chamber music, and orchestral music. For his instrumental music in particular, he drew on the techniques of Haydn, Mozart, and later, Beethoven, while shaping them to convey new depths of emotional expression. Among the hallmarks of his idiosyncratic compositional style are unexpected key changes and novel harmonic juxtapositions, looser formal structures, and lyrically expansive melodies.
Born in Vienna on January 31, 1797, Schubert took his first lessons in piano, violin, singing, and organ during his childhood. His talent for composing was already evident in his earliest surviving works—including string quartets and his first symphony—written at age 13. However, given the precariousness of a career as an independent composer, he became certified as a teacher and took a position at his father’s school. Even with the full-time demands of the job, he continued to compose, and was startingly productive; by 1816, not yet 20 years of age, he had written over 300 solo songs, five symphonies, four Singspiele (a type of German opera), seven string quartets, and numerous smaller works. Yet, public recognition of his work by way of performances and publications did not develop until after 1817.
By 1822, Schubert was thriving as a professional composer. His extraordinary output, achieved through a demanding work schedule, was matched by a hedonistic and likely promiscuous social life that he pursued with equal intensity. In early 1823, he began showing symptoms of syphilis, the physical manifestations of which led him to become increasingly reclusive. His musical work, however, continued unabated, and in what would be the last four years of his life, he completed several significant masterpieces, including the String Quartet in D minor (“Death and the Maiden”), the Ninth Symphony (“the Great”), the Piano Sonata in D Major, and the song cycle Die Winterreise. Schubert died in Vienna on November 19, 1828. Most of his vast catalogue of compositions only came to light after his death.
Au cours de son existence terriblement brève, le compositeur autrichien Franz Peter Schubert a été d’une fécondité peu commune, et son apport s’est révélé particulièrement marquant dans les domaines de la musique vocale (surtout le lied allemand), de la musique pour piano, de la musique de chambre et de la musique pour orchestre. Pour sa musique instrumentale plus précisément, il a pris appui sur les techniques mises au point par Haydn, Mozart et, plus tard, Beethoven, tout en les façonnant de manière à véhiculer des expressions émotionnelles d’une profondeur inédite. Son style de composition si particulier se distingue notamment par les changements inattendus de tonalité, les juxtapositions harmoniques novatrices, les structures formelles relâchées et l’ampleur lyrique des mélodies.
Né à Vienne le 31 janvier 1797, Schubert reçoit ses premières leçons de piano, de violon, de chant et d’orgue dans son enfance. Ses dons pour la composition sont déjà manifestes dans les premières de ses œuvres qui soient parvenues jusqu’à nous – dont des quatuors à cordes et sa première symphonie – écrites à treize ans. Conscient, toutefois, de la précarité d’une carrière de compositeur indépendant, il obtient son brevet d’enseignant et décroche un poste à l’école de son père. Malgré les exigences de ce travail à temps plein, il continue de composer à un rythme vertigineux : dès 1816, alors qu’il n’a pas encore vingt ans, il a déjà écrit plus de 300 lieder, cinq symphonies, quatre singspiele (un type d’opéra-comique allemand), sept quatuors à cordes, et de nombreuses pièces de moindre ampleur. Toutefois, la reconnaissance du public consécutive à l’exécution et à l’édition de ses œuvres devra attendre après 1817.
Dès 1822, Schubert prend son envol comme compositeur professionnel. Son extraordinaire production, accomplie grâce à un horaire de travail exigeant, n’a d’égale que l’intensité avec laquelle il s’adonne à une vie sociale hédoniste et probablement libertine. Au début de 1823 apparaissent les premiers symptômes de la syphilis, dont les manifestations physiques l’amèneront à toujours plus de réclusion. Son œuvre musicale n’en souffrira pas, cependant, et au cours des quatre années suivantes, qui seront les dernières de sa vie, il compose plusieurs de ses principaux chefs-d’œuvre, dont le Quatuor à cordes en ré mineur (« La jeune fille et la mort »), la Neuvième symphonie (« La Grande »), la Sonate pour piano en ré majeur, et le cycle de lieder Die Winterreise. Schubert meurt à Vienne le 19 novembre 1828. La majeure partie de son vaste catalogue de compositions n’apparaîtra au grand jour qu’après sa mort.
Russian composer Igor Stravinsky was one of the most influential musical figures of the 20th century and his music is still among the most frequently performed today. His works encompass ballet and opera, orchestral pieces, songs, choral works, and chamber and solo instrumental works, among others. As a whole, Stravinsky’s compositional catalogue is stylistically diverse and reflects his interest in and absorption of certain major musical developments of the period: from the colourful Russian nationalism of his early ballets, to an aggressive, avant-garde style in the First World War Years, to the pared-down neoclassicism of the 1920s to 1950s, to finally, 12-tone serialism.
Stravinsky was born in Oranienbaum (now Lomonosov), near St. Petersburg, on June 17, 1882. The third son of Fyodor, one of Russia’s most notable bass-baritones, the young Igor grew up surrounded by musicians and composers who frequented his parents’ flat, where he also had access to his father’s large library of music scores. He entered St. Petersburg University as a law student though he wanted to study music; he ultimately did so in his own time, taking lessons first with students of Nikolai Rimsky-Korsakov and later with the Russian master himself. In 1910, Stravinsky was catapulted to fame with the Paris Opéra premiere of the ballet, The Firebird, his first of many collaborations with the impresario Serge Diaghilev and his Ballet Russes. Petrushka followed in 1911 and in 1913, The Rite of Spring—a shockingly violent and dissonant score that became a landmark work of early 20th century musical modernism.
After experimenting with avant-garde techniques, Stravinsky embarked on an extended period composing in the “neo-classical” style. In these works, he invigorated 18th-century forms and processes with his own harmonic and rhythmic methods. This aesthetic shift coincided with a move from his native Russia to France in 1920, and continued when he emigrated to the United States in 1941. In the late 1950s, Stravinsky turned to the technique of serialism, which became the basis of his late compositions. Throughout these decades, he maintained a commitment to concert work, appearing as a piano soloist and conductor in performances of his own music. Stravinsky died in New York, April 6, 1971, and is buried on Venice’s cemetery island of San Michele, near the grave of Serge Diaghilev.
Le compositeur russe Igor Stravinsky est l’une des figures marquantes de la musique du XXe siècle, et son œuvre compte encore parmi les plus jouées de nos jours. Son catalogue embrasse, entre autres, le ballet et l’opéra, les pièces pour orchestre, les mélodies, les œuvres chorales, et les compositions pour formations de chambre et instruments seuls. Dans l’ensemble, l’œuvre de Stravinsky présente une grande diversité de styles, témoignant de son intérêt pour un certain nombre d’évolutions musicales majeures de la période, qu’il a absorbées : du nationalisme russe haut en couleur de ses premiers ballets, il passe successivement à un style agressivement avant-gardiste pendant la Première Guerre mondiale, puis à un néoclassicisme épuré entre les années 1920 et 1950, jusqu’au dodécaphonisme sériel de ses dernières compositions.
Stravinsky naît le 17 juin 1882 à Oranienbaum (aujourd’hui Lomonosov), près de Saint-Pétersbourg. Troisième fils de Feodor, l’un des barytons-basse les plus en vue de Russie, le jeune Igor grandit entouré de musiciens et de compositeurs qui fréquentent l’appartement de ses parents, où il a aussi accès à la vaste collection de partitions musicales de son père. Il fait son entrée à l’Université de Saint-Pétersbourg comme étudiant en droit, bien qu’il aspire plutôt à étudier la musique. Il y viendra à son rythme, prenant d’abord des leçons auprès d’élèves de Rimski-Korsakov, puis du maître lui-même. En 1910, Stravinsky est catapulté vers la gloire avec la création, à l’Opéra de Paris, de son ballet L’oiseau de feu, qui marque la première de ses nombreuses collaborations avec l’impresario Serge Diaghilev et ses Ballets Russes. Petrouchka suivra en 1911 et, en 1913, Le sacre du printemps – une partition saisissante, agressive et dissonante, qui deviendra l’une des œuvres phares du modernisme musical du début du XXe siècle.
Après avoir fait l’essai de plusieurs techniques d’avant-garde, Stravinsky amorce une longue période au cours de laquelle il composera dans un style « néoclassique ». Dans ces compositions, il insuffle un nouvel élan à des formes et des procédés du XVIIIe siècle, en y intégrant ses propres méthodes d’écriture harmonique et rythmique. Cette mutation artistique coïncide avec son départ de sa Russie natale pour la France en 1920, et se poursuivra quand il immigrera aux États-Unis en 1941. Vers la fin des années 1950, Stravinsky se tourne vers la technique du sérialisme, qui formera la base de ses dernières compositions. Au fil de ces décennies, il ne perd pas de vue les concerts, se produisant comme pianiste et chef d’orchestre dans ses propres œuvres. Stravinsky s’éteint à New York le 6 avril 1971. Il est enterré dans l’île-cimetière de San Michele, à Venise, tout près de la tombe de Serge Diaghilev.
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